Qualcuno forse lo ricordera’, agli inizi degli anni ottanta, nei panni dell'affascinante front man dei Moda: una delle comete che attraversarono il panorama musicale italiano di quegli anni e che per un istante sembrarono la risposta autoctona alle mode new romantic di matrice anglosassone (fra tutti i "falsi miti di successo", parafrasando una verso di Battiato, citiamo per importanza e longevita’ almeno i Duran Duran). Proponevano un pop intelligente, raffinato, ben fatto ma soprattutto, aspetto distintivo, cantato in italiano. Quest’ultima caratteristica era un particolare non indifferente che mostrava un notevole coraggio e un'ingenuita' di fondo ammirevole. Una scelta di stile che fece poi scuola a tutta una pletora di band italiane. Lo scotto che si pagava all'epoca scegliendo l'una o l'altra strada ("italiano si, italiano no") poteva essere molto caro; rispondendo piu' o meno positivamente a esigenze commerciali e di autoaffermazione piu’ consitenti. Cantare in inglese (o in tedesco o in francese...) era una mezza garanzia (o cosi sembrava) e poteva significare riuscire a creare intorno a se' un'aura meno "provinciale", tentando cosi di promuoversi anche al di fuori dell’Italia. Insieme ai Moda pero' furono tanti i progetti che dopo le prime smanie giovanili convissero spontaneamente questo ritorno progressivo all'uso dell'italiano, all’idioma dantesco. Di primo acchito ci vengono subito in mente gli intramontabili Litfiba, i CCCP, i Diaframma. Fu forse il riflesso condizionato di un'insieme di aspetti: da una parte, con tutta probabilita', la sicurezza in una maggior padronanza nell'uso della propria lingua rispetto all’inglese; dall'altra, una piu' controllata "coscienza" poetica nell’esprimersi con il proprio idioma; piu' semplicemente per seguire una voglia del tutto irrazionale e rivoluzionaria. Si cominciava cosi, sempre piu' spesso, a scegliere di cantare in italiano le proprie liriche (con risultati anche di grande pregio) innestando pero' una sensibilita' tutta "italica" su modelli musicali ancora non mediterranei.
Riassaporare con le orecchie di oggi alcuni dei brani dell’epoca firmati dai Moda e’ una sfida non indifferente. Fatto e’ che le tracce inserite in questa bellissima collezione dal titolo “Chimentidanzasilenda” (spiegheremo piu' approfonditamente il titolo qualche riga piu' sotto) come “Se fossi” e “America”(da "Canto Pagano" del 1987) messe proprio in apertura del cd, non sfigurano affatto accorpate insieme al materiale che l’autore ha realizzato solista negli anni a seguire sino ad oggi (da “La maschera del corvo nero ed altre storie” del 1992 a “Vietato morire” del 2004). La delicatezza della sua voce, capace pero’ anche di bruschi cambi di registro, lo accosta ad un autore inglese con il quale Andrea ha collaborato e ha realizzato insieme la bellissima elegia "Ti ho aspettato". Stiamo parlando di David Sylvian. Tutto sommato il percorso dei due artisti, praticamente coetanei (Andrea e’ del ’59, David del ‘58) ha diversi punti comuni: tra cui gli inizi, che conciliano in entrambi pulsioni sperimentative a soluzioni marcatamente pop, il successo commerciale quasi sfiorato, la carriera solista volta ad un maggiore intimismo poetico e di ispirazione. Fino all’incontro, diretto, di questi due poeti della musica contemporanea e alla realizzazione di un'opera insieme (il brano sopra citato).

Danza Silenda e’ una retrospettiva. Non la solita collezione. Questo innanzitutto per la scelta dei brani che ricostruisce agilmente, senza particolari lacune e invece con molti pregi nella selezione, lo sviluppo di Andrea come cantante e come autore delle proprie canzoni. In secondo luogo per l’idea di allegare al cd musicale un dvd che crea quattordici sfondi ad altrettanti brani che compongono la collezione stessa. I filmati sono realizzati in collaborazione con Fernando Maraghini e Maria Erica Pacileo per la compagnia di Danza Silenda (Caen-Bassa Normandia-Francia) del duo fondatore "Festina Lente" (Laura Simi e Damiano Foa) che danza e coreografa quattordici delle sedici tracce del disco. Il lavoro di questa compagnia e' concentrato intorno al movimento inteso come "il pensiero fisico". Come amano definirsi, si tratta di “collezionisti di movimenti” interessati al processo di trasformazione delle emozioni in movimento. Collaborano spesso con altri artisti e sono continuamente impegnati in rappresentazioni che coinvolgono i bambini delle scuole materne, elementari e medie, bambini in difficolta’, persone della terza eta’, ragazzi del liceo, studenti universitari, professori, amatori di danza e teatro, attori, danzatori. Il legame tra immagini e musica rimane costante e con rari momenti di scollamento. Un ottimo esperimento, sempre gradevole e seppur di approccio improvvisativo e sperimentale, estremamente fruibile e godibile. La raccolta “Chimentidanzasilenda” risulta cosi il migliore dei modi per avvicinarsi all’opera di Andrea assaporandone i molti aspetti della sua arte e dei suoi passaggi nel tempo. Nulla togliendo al piacere e alla fruizione di chi invece vuole semplicemente acquistare un cd, metterlo nel proprio lettore e degustarsi un’oretta di buona musica! (e nel caso del dvd, godersi invece un bello spettacolo di danza). Ricordiamo che nel frattempo l’etichetta Soffici Dischi si e’ presa premura di rimettere in circolazione il capolavoro “perduto” dell’autore, “L’albero Pazzo”(Soffici Dischi/Santeria, 2007) uscito originariamente tredici anni or sono per la serie economica “I taccuini” dell’allora attivissimo Consorzio Produttori Indipendenti. Un pezzo importante della musica italiana che fa da pari con questa ultima compilazione e che chiude il cerchio, almeno per ora, sull’opera di un autore colto forse poco visibile ma di una importanza imprescindibile per lo sviluppo del cantautorato italiano in questi ultimi due decenni. Un’ultima curiosita’: troverete tra i filmati contenuti nel dvd in allegato all’ultima versione deluxe di Siberia dei Diaframma (cd+dvd, Self 2007) alcuni preziosi ed interessanti frammenti di interviste e di sequenze live dei Moda finite del box dei Diaframma per una strana e fortuita coincidenza. Si tratta infatti di un documentario dell’84 (o dell’85) nel quale venivano messe a confronto due promettenti giovani band del momento: i Diaframma di Fiumani e di Sassolini, per l’appunto, e i Moda di Chimenti. Tra il serio e lo scherzo, questi enfant prodige proponevano la propria visione dell’Arte e della Musica in un periodo di forti contrasti non solo in ambito artistico e musicale (tutta la questione sul rapporto immagine-contenuto sollevata delle mode musicali del tempo) ma anche sociale e politico. Consigliatissimo!

Abbiamo parlato con Andrea, qualche tempo fa, proprio nei giorni delle elezioni in America... ne e’ uscita una interessante intervista. Grazie anche alla preziosa intercessione del suo manager, Roberto Bardelli, responsabile della bella etichetta Soffici Dischi.

Leonardo: Ti vorrei chiedere una cosa che forse ti sembrera’ un po’ strana e spero non la troverai offensiva (non e’ nelle mie intenzioni!) e con la quale iniziare l’intervista; una prassi che qui e' qualcosa di molto importante nella vita sociale dei giapponesi, nell’interazione con l’altro: la propria presentazione.
Chi e’ e che cosa fa Andrea Chimenti. Spieghiamolo ad pubblico giapponese o ad un fruitore che magari ancora non ti conosce, attraverso il punto di vista dell’artista stesso.

Andrea: Principalmente sono una persona emozionata di vivere... cerco di tradurre questa emozione e trasmetterla attraverso la musica, il teatro e quando posso attraverso l’immagine. Il mio primo mestiere e' stato disegnatore di cartoni animati, ma con gli anni la musica ha preso il sopravvento diventando la mia occupazione principale. Oggi scrivo canzoni, musica per film e teatro.

L.: Tempo fa (scusa la lunga premessa alla domanda) proprio come abbiamo fatto ora con te, abbiamo raggiunto per mail Federico Fiumani. Usciva un suo libro e tante band gli tributavano un cd di cover intitolato, non a caso, “il Dono”(Self 2008). Ci sembrava il momento giusto - oltre che qualcosa, nel nostro piccolo, di dovuto - per intervistarlo e pubblicare poi questo testo, anche in giapponese, nel nostro sito. Alla nostra proposta lui ha evitato di replicarci con un diniego secco, rispondendoci con il distacco intellettuale che solo un personaggio della sua cifra riesce a gestire con tale nonchalance: ci ha detto “non credo che qualcuno in Giappone possa essere interessato alla mia musica”. La sua affermazione (comprensibilissima, ma che ci ha un po’ rattristato, sminuendo in parte anche il significato del nostro lavoro in toto!) riassume in effetti un problema: la trasmissione di un messaggio pensato in una determinata lingua (e con un certo background culturale) che viene tradotto in un idioma di un paese parecchio distante, anche culturalmente, dall’origine. Tralasciando ora gli aspetti che avvicinano e allo stesso modo allontano due artisti e due interpreti della musica italiana come Fiumani e Chimenti, ti vorrei allora chiedere, in merito a questo discorso: ritieni che esistano realmente delle barriere che, ad esempio, possano filtrare le attenzioni e gli interessi di ipotetici fruitori dell’Arte, della Musica in particolare, tra un parte e l’altra, nel mondo?Anche la “sensibilta’” avrebbe dunque dei luoghi geografici, fisici, ben precisi, delle “infrastrutture” che realmente la provincializzerebbero?
Il prodotto artistico di Andrea Chimenti e’ destinato quindi esclusivamente ad un pubblico italiano?

A.: Ricordo un aforisma di Confucio: “Per natura gli uomini sono vicini, l'educazione li allontana.” Io credo che la Musica, la Poesia, l’Arte in generale abbiano proprio lo scopo di riscoprire la vera natura dell’Uomo, andando a cogliere il centro, il significato ultimo, quello che sta all’origine. Quando l’arte arriva a cogliere il reale significato di cio' che ci circonda diventa totale, parte di un tutto dove tutti sono cittadini. Come la stessa frase di Confucio riesce a comunicare un messaggio importante a me dopo 2500 anni provenendo da una diversa cultura dettata non solo dalla geografia ma anche dal tempo, credo che allo stesso modo e con maggiore facilita' un contemporaneo possa comunicare il proprio “sentire” ad una cultura lontana. E’ proprio vero che spesso e' “l’educazione” ad allontanarci creando inutili sovrastrutture che portano inevitabilmente a separazioni. Questo lo accetto nel semplice vivere del quotidiano, nella politica, folklore, usanze, costumi ecc... ma non nella comunicazione che passa attraverso il profondo, non nell’Arte.

L.: Che tipo di interessi nutri per l’Arte intorno a te, oggi? In particolare nei confronti della Musica e dei fenomeni della musica moderna? Ci sono dei progetti, degli artisti in italia che ritieni fondamentali per la tua formazione? Quali invece preferisci come ascolatore? Quali consiglieresti ad un “neofita” giapponese?

A.: La mia formazione nasce da molte cose disparate. Ho amato la musica classica cibandomi di questa per molti anni. Mio padre mi ha cresciuto insegnandomi ad amare questo genere di musica, avviandomi anche all’ascolto del jazz , ma quest’ultimo non mi ha mai conquistato definitivamente. Ricordo che da ragazzo mi prestarono un disco di David Bowie “ Dimond Dogs”. Rimasi folgorato dalla copertina in cui era ritratto Bowie mezzo uomo e mezzo animale...e' da li che ho iniziato ad appassionarmi al rock britannico che ha influenzato le mie scelte artistiche. Contemporaneamene ci sono stati autori italiani che ho apprezzato per la grande capacita' di cantare la loro poesia come Fabrizio De Andre', Fausto' (ricordo un suo album straordinario: “Poco Zucchero”), alcune cose di Fossati. Ricordo negli anni ’70 gli Area con la sperimentazione vocale di Demetrio Stratos, lo splendido disco “Aria” di Alan Sorrenti. Poi sono seguiti gli anni ’80 nei quali mi sono ritrovato uno dei protagonisti con il mio gruppo di allora i “Moda”, che insieme ai Litfiba, Diaframma e altri gruppi abbiamo in qualche modo aggiunto dei tasselli importanti alla storia musicale in quegli anni e sicuramente influenzandoci a vicenda.

L.: E’ uscito questo tuo nuovo lavoro che raccoglie tanti tuoi brani del passato e un nuovo progetto in dvd. Con quale criterio hai scelto le canzoni a rappresentare il tuo percorso artistico nel cofanetto “ChimentidanzaSilenda”? Potresti parlaci allora un poco dei tuoi dischi e dei suoi progetti, entrambi tra quelli che hai realizzato in collaborazione anche con altri artisti, che ritieni fondamentali nel suo percorso artistico sino ad oggi?

A.: Il criterio di scelta dei brani che compongono “ChimentidanzaSilenda” e' stato quello della danza. Queste canzoni pescate in tutto il mio repertorio dovevano accompagnare gli esperimenti gestuali della compagnia di danza francese “Silenda”. Alcuni brani sono stati scelti dai registi (Fernando Maraghini e Maria Erica Pacileo) altri da me. Non e' stato facile scegliere, in questo caso mi sono accorto di quanto lavoro avevo svolto negli anni e mi sono ritrovato ad ascoltare canzoni che non sentivo da molto tempo. Ho riascoltato il vinile di Canto Pagano (il secondo disco dei Moda) e sono riaffiorati molti ricordi tra cui la splendida collaborazione con Mick Ronson (chitarrista di D. Bowie, L. Reed, B. Dylan ecc...). Fu Ronson a produrre il disco e devo dire che oltre ad essere stato artisticamente uno splendido incontro, lo fu anche dal punto di vista umano. Nell’89 i Moda si sciolsero e per me inizio' un poeriodo molto difficile. Mi sono trovato solo e a dover ricostruire tutto da capo. Le difficolta' in Italia, in particolare per chi fa certe scelte musicali che escono dai canoni, sono sempre state tante. Viviamo in un paese che non da' supporto a chi cerca di fare musica e nonostante siamo stati una delle culle dell’arte piu' importanti al mondo, oggi siamo un paese che considera l’arte una sorta di hobby e nel migliore dei casi intrattenimento da sabato sera. Gli stessi problemi di oggi c’erano agli inizi degli anni ’90 dove mi sono trovato a ricostruire la mia strada da solo. Una delle collaborazioni importanti fu quella del C.P.I. (Consorzio Produttori Indipendenti) con il quale riparti la mia carriera da solista. Un altro momento importanate e' stato quello della collaborazione con David Sylvian nel 1996 con il quale ho scritto "Ti Ho Aspettato" (I Have Waited For You). Con Fernando Maraghini ho realizzato dei progetti discografici che riguardano la commistione tra poesia e musica, narrazione e musica. Ho realizzato diversi cd su questa linea fino a “Il Porto Sepolto” dove canto le poesie di un importante poeta italiano del 900: Giuseppe Ungaretti.

L.: Quanto accade nel mondo e piu’ da vicino in Italia confluisce “tematicamente e spiritualmente” nel suo lavoro? In che termini e con quali risonanze?

A.: A volte accade che certi avvenimenti influenzino il mio lavoro, credo che sia una cosa inevitabile per chiunque. Cerco pero' di non parlare in modo diretto di certe problematiche... ad esempio non amo che la politica si mescoli alla mia canzone... e' lo stato d’animo che mi interessa, l’emozione che scaturisce dagli avvenimenti, privati o pubblici che siano.

L.: Come ti poni nei confronti del mondo, non solo artistico, ma anche culturale, sociale e - scusami se te lo chiedo - “politico”del tuo paese, oggi?

A.: Sono molto critico nei confronti del mio paese, critico perche' lo amo molto. Purtroppo ogni volta che esco fuori dall’Italia mi vedo costretto a fare dei paragoni e il mio paese ne esce sempre perdente. Io sono molto di parte, me ne rendo conto, ma trovo che in Italia si faccia pochissimo per la cultura mentre, al contrario, si fa moltissimo per rimbambire la gente. Ormai e' un dato di fatto, basta accendere le nostre televisioni. La gioventu' e' traviata da uno stile di vita ridicolo che tende ad omologare e a svuotare le coscienze. Sembra di vivere in una sorta di prolunga del miracolo economico degli anni ’60, ma dove tutti si lamentano e allo stesso tempo spendono in miriadi di stupidaggi inutili, viviamo in uno scenario fatto di impalcature che sorreggono una scenografia colorata che riesce a malapena a restare in piedi... dietro a tutto questo c’e' il nulla pronto a divorarci appena apriremo i nostri occhi. Credo che questo sia un male che ammorbi gran parte del’occidente, ma l’Italia ne e' l’emblema diventandone quasi caricatura.

L.: La Musica, oggi, sembra aver raggiunto il suo grado massimo di globalizzazione. A volte, spesso, si ha l’impressione che sia stato gia’ detto ed espresso tutto e ci si trovi sempre di fronte a qualcosa di gia’ sentito; che l’Arte sia arrivata davanti a un muro. Cosa pensi di questo fenomeno e quanto lo ritieni reale o meno?
Come te anche molti altri creativi - mi sembra di capire - credono e confidano nella contaminazione delle arti: ritieni che questa comunicazione sia il futuro (o addirittura gia’ il presente) della Musica stessa?

A.: La contaminazione non e' una scelta, ma un’ inevitabile strada da percorrere. Oggi io mi trovo a dover necessariamente interagire con altre culture presenti dove vivo. L’unica strada e' la contaminazione e se questo non avviene e' la rottura prima di tutto sociale. Se non siamo disposti a mettere in discussione la nostra cultura, renderla permeabile a nuove realta' e' semplicemente la collisione e l’annientamento. Questo avviene anche in campo artistico, almeno per quella frangia che lavora in prima linea dove si sperimentano nuove soluzioni, nuovi linguaggi. In musica e' stata realizzata la nona sinfonia di Beethoven fino al silenzio di John Cage... e' stato espresso se non tutto... direi molto, moltissimo! La strada della commistione, della contaminazione e' quella che puo' regalarci vitalita' e speranza.

"Disegna la parte finale del mio sogno!"

Formula dirompente quella di Miro +
(P)neumatica.
Una premessa: per chi non lo ricordasse, Miro Sassolini fu “una” delle voci che attraversarono e segnarono profondamente lo sviluppo dei Diaframma nella loro formazione storica, tra il 1984 e il 1989. Anzi, forse sarebbe meglio dire che non fu uno dei cantantanti del gruppo fiorentino ma bensi “la Voce”, inconfondibile, di questa band.
I Diaframma (... e Miro con loro) furono importanti non soltanto perche' poi sbrigativamente e lapidariamente etichettati, insieme ad altri, come i "padri" della cosiddetta new wave nostrana. Forse soltanto oggi se ne e' invece compreso appieno il ruolo che ebbero e l'influenza che esercitarono sullo sviluppo di certo cantautorato dei nostri giorni. Seminali sopprattutto per il loro taglio, poco
incline ai compromessi; musicalmente e per molti aspetti, piu' vicini alla musica popolare che non alla dark -wave di derivazione anglosassone (che invece ne caratterizzo' fortemente i primi passi, tra l'81 e l'83). Oggi la loro eredita' e' riconosciuta unanimamente come fondamentale modello di creativita', tutta da riscoprire, per tanti nuovi progetti. Molti gli artisti infatti che sempre piu' spesso, piu' o meno consapevolmente, si "pregiano" di omaggiarli o ne ricalcano l'estro nella realizzazione delle proprie opere.
Ma a chi, in particolare, avesse ora voglia di fare un tuffo temporale, nostalgico e corroborante, immergendosi nel mondo e nelle atmosfere di quell’epoca magica e lontana, non possiamo che consigliare di acquistare subito una copia del disco “Siberia”(IRA 1984); magari proprio in una delle sue ultime edizioni in cd, con un dvd in allegato e con tanti video di quel periodo. E' li che troverete “la voce” dei Diaframma: Miro Sassolini; con quella sua maniera di cantare, di sciorinare le parole stropicciandole e accarezzandole come fossero velluto; con quel suo modo di interpretare la poesia incerta, visionaria e evocativa di Federico Fiumani (leader e deus ex machina dei Diaframma); con quella profondita’tipica di certi suoi toni; con la fisicita’ del suo canto, il suo avvolgerti.
Epocale il disco, il periodo, Federico, Miro e tutto il resto...

I (P)neumatica sono invece un gruppo che si e' formato in questi ultimi dieci anni; questi musicisti sono cresciuti percio’ ascoltando - come chi scrive - i dischi di Miro e raccogliendo l’eredita’ di tutti quei progetti che si espressero al meglio proprio durante il decennio ottanta. Non toscani come Sassolini ma bensi sardi, i (P)neumatica sono una band, come amano definirsi, di rock “ruvido ed intenso”. Nati a meta’ degli anni novanta, il loro secondo disco “Ultimi attimi” e’ stato prodotto e registrato nientemeno che da Giorgio Canali e come per il loro disco d’esordio, anche questa volta, pubblicato dall’etichetta indipendente, sarda, Desvelos Records.



Nel 2007 Maurizio Rocca [leader e voce dei (P)neumatica] propone a Miro, che negli anni ha sperimentato molti linguaggi dell’Arte, l'utilizzo degli spazi interni del Covo Art Cafe' (a Cagliari) locale di culto del rock sardo, per una sua personale di disegni a pastello. L'incontro segna profondamente l’artista che riconsidera la possibilita' di ricominciare a fare Musica. Nel Giugno 2008 esce l'ep dei Pneumatica "Le Cose Cambiano" in cui Miro presta la sua voce e la sua interpretazione a due dei quattro brani del disco. Lavoro che non sa certo di un mero esperimento creato all’uopo per accogliere un ospite d’onore.
E questo lo si percepisce da subito, scorrendo le tracce di questo progetto realizzato insieme. Una collaborazione artisticamente riuscitissima, per un esperimento rock moderno, accelerato, fortemente comunicativo. Muscoloso ma mai violento. Capace di creare il giusto trampolino per una voce ancora disinvolta e capace come quella di Miro. Dell’ineffabile orchestra che lo accompagna, i cagliaritani (P)neumatica guidati appunto da Maurizio Rocca, non c’e’ molto da aggiungere visto soprattutto il modo impeccabile con il quale interagiscono nel disco con Miro. Decisamente un'ottima prova. Bentornato Miro, standing ovation per la band di Maurizio.

Abbiamo raggiunto per mail, qualche tempo fa, Miro e Maurizio che come altri artisti contattati hanno risposto con estrema gentilezza alle nostre domande.

Leonardo: Mi dicevi che se dovessi consigliare un tuo disco a ascoltatore giapponese sarebbe sicuramente “Siberia"... ci spieghi il perche' di questa scelta?

Miro: Credo fortemente nella trilogia "Siberia"... "Tre volte lacrime"... "Boxe" i primi tre album dei Diaframma hanno "segnato" la storia del rock italiano... sono soltanto tre dischi e' vero ma... fanno parte di un percorso unico... concatenato... inseparabile... e come in qualsiasi trilogia (le arti figurative... il cinema ... la letteratura) vanno ascoltati tutti in ordine cronologico... l'ordine della crescita e della maturita' artistica. Probabilmente un ascoltatore giapponese lo farei iniziare da qui... dalle cose che ho fatto con i Diaframma negli anni 84/89; sembra pura presunzione... ma ti assicuro che non lo e'... (non me ne vogliano gli altri grandi gruppi del rock italico di allora!) inoltre consiglierei l'ascolto del "Progetto Van Der Bosch": il mio personale iter musicale dal 1992 al 1997 in pratica il "dopo Diaframma"... e' tutt'ora materiale inedito... pronto per essere valutato alla luce delle sonorita' attuali.

L.: Maurizio, che ne pensi? Quali dischi regaleresti a un amico giapponese?

Maurizio: Sicuramente mi piacerebbe che scoprisse i (P)neumatica con “Le cose cambiano”. Non tanto perche' realizzato in combutta con Miro, ma piuttosto perche' come ovvio, gli ultimi lavori per chiunque si esprima con una qualsiasi arte, sono i piu' attuali, fotografano la propria “salute mentale” in quel momento, sono i piu' maturi artisticamente.

Dovrebbero poi non perdersi le cose che io ho amato negli ultimi 30 anni e che quindi mi sentirei di consigliare: “Siberia” dei Diaframma, “Desaparecidos” dei Litfiba , “Affinita'-divergenze fra il compagno Togliatti e noi. Del conseguimento della maggiore eta'” dei CCCP, per quanto riguarda gli anni ’80. “Catartica” dei Marlene Kuntz per i ‘90. Sull’ultimo decennio mi metti in difficolta'...

L.: Cambiamo argomento... Questa domanda e’ una sorta di provocazione...Tante volte in Giappone ci e' capitato di sentirsi citare, vuoi per scherzo, vuoi per caso, diversi stereotipi sugli italiani... in questo periodo, poi! Vuoi seriamente o vuoi anche soltanto per sentito dire. Gli italiani, anche per come vanno da sempre le cose nel nostro paese, spesso vengono etichettati, nel bene nel male, per quelli che dall’esterno sembrano essere gli interessi e le attivita’ principali, per antonomasia, dell’italiano medio: ”mangiare, cantare, amore”. Quanto vi sembra reale questo stereotipo?

Miro: E’ decisamente uno stereotipo... non solo in Giappone... questo non mi scalfisce piu' di tanto sappiamo quello che siamo stati... e quello che possiamo ancora offrire certo non possiamo ne dobbiamo affogare nella nostra memoria storica ne farci travolgere dalla bellezza della nostra arte... l'Italia possiede i due terzi del patrimonio artistico mondiale inoltre... ricordo a tutti che abbiamo un marchio di fabbrica che ci contraddistingue in tutto il mondo... il genio del nostro inimitabile stile certo... servono innesti di risorse innovative... che tengano il passo con i tempi stuprati e iperattivi del terzo millennio ma vi assicuro che vivere in questo paese e' meraviglioso la cosa che piu' detesto... in generale e' l'indifferenza verso il prossimo... l'inesistenza delle relazioni umane... la speranza ingannata... lo sbadiglio di chi se ne frega... la superficialita' del sorriso altrui... perche' alla base della convivenza fra i popoli esiste l'inizio di un ipotetico dialogo fra me... e chi la pensa diversamente... da me e per fare tutto questo devo essere capace di comunicare quindi offrire dell'ottimo cibo... cantare una bella canzone con voce tenorile... fare all'amore... e' il buon viatico del saper vivere direi che come "stereotipo"... non e' poi cosi male!

Maurizio: Penso che questo sia uno stereotipo diffuso un po’ dappertutto nel mondo. E’ un dato di fatto che quando siamo all’estero la prima cosa che ci viene in mente per sbarcare il lunario e l’arte del cucinare. In questo siamo imitatissimi, mi e' capitato di vedere ristoranti spacciarsi per italiani ma gestiti dalle etnie piu' disparate, dai nomi ridicoli e dai menu' pieni di errori di ortografia come la “Pizzeria Napoli Erezione” a Berlino, questa emulazione vorra' pur significare qualcosa. Per quanto riguarda la canzone poi non abbiamo rivali, i nostri classici, anche quelli della tradizione dialettale sono conosciuti e cantati da tutti. Per quanto riguarda l’amore invece siamo decisamente in calo, sia dal punto delle prestazioni che da quello della fama. In ogni caso e cosa che facciamo comunque e' importante avere stile, il famoso “Italian style”.

L.: Miro, che cosa vorresti far conoscere della tua Arte e dell’Italia in Giappone??

Miro: Se ci fosse la possibilita’ esporterei tutto me stesso! lascerei a "casa" solo le briciole dei miei malesseri o forse no! Mi porterei dietro anche i miei incubi... del resto bisogna avere il coraggio di svelarsi per quello che siamo non per quello che vorremmo essere la mia arte e' soltanto il marsupio del mio essere uomo consapevole quindi va dove vado io... per quanto riguarda L'Italia... esporterei una parte del nostro underground musicale attuale... incontrerebbe senz'altro molti consensi da parte dell'esigente e colto pubblico giapponese.

L.: Che cosa ne pensate di questa Italia del III millennio. Che cosa ha ancora da dire al mondo l’Italia secondo voi?

Miro: Sinceramente allineo l'Italia... con tutti i suoi problemi... e le ataviche contraddizioni al resto dei paesi europei industrializzati... ne piu' ne meno veniamo da una situazione storica che ci accumuna da secoli ci siamo scambiati... imperatori... re... papi... santi... e malavitosi e' un grande imbroglio far sprofondare il mio paese nella melma... mentre il resto dell'Europa convive con i suoi innumerevoli fantasmi direi... invece... che questa fantomatica democrazia occidentale se e' realmente esistita... si e' persa nei meandri del Mediterraneo o fra le stanze segrete del parlamento europeo vedi... non so perche' mediaticamente tutto quello che accade in Italia viene amplificato all'ennesima potenza mentre cio' che succede altrove non e' altrettanto..."pubblicizzato" vorrei far notare che tutto nel vecchio continente e' collegato da una fitta trama visibilissima agli occhi di molti osservatori fatta da immigrazione... disoccupazione... ignoranza... razzismo... intolleranza... bestiale violenza mancanza di fede (una qualsiasi) mi domando?... se quello che riusciamo a vedere o ad intuire ci fa cosi tanta paura... tutto quello che non ci dicono le cose che non ci fanno vedere quello che accade e non ci viene riferito quanto puo' essere pericoloso? QUANTO? infine... vorrei sottolineare come sia semplice guardare il giardino dell'altro e constatare quanto sia sporco... senza far niente per il proprio...

Maurizio: Ho vissuto gli ultimi due mesi a Berlino e sono quindi tornato in Italia da pochissimi giorni. Ho optato per il black-out dell’informazione e devo ammettere che il rientro e' stato traumatico. Dal punto di vista mediatico in Germania non si parla granche' del bel paese tolte due interviste di approfondimento a Nanni Moretti e Massimo Carlotto ovviamente improntate sul “cavaliere nero”. Principalmente sono trapelate le immagini dei soldati e delle camionette nelle strade che fanno tanto Kabul dopo l’entrata in vigore del pacchetto sicurezza e qualche curioso fatto di cronaca. La cosa che mi ha colpito e' che in questo caso i tedeschi, quelli nelle “kneipe”, sono molto meglio informati di noi, ma soprattutto sono molto piu' preoccupati di quanto lo siamo noi della nostra stessa situazione. All’aeroporto di Milano tre italiani che stavano andando in vacanza in Sardegna hanno discusso per almeno 15 minuti su quale acconciatura di capelli donava di piu' alla Pivetti, pseudo-presentatrice TV, leghista, la piu' giovane ex-presidente della camera dei deputati, il livello e' diverso. Tutto questo mi fa pensare che con gli illustri artistici e letterati antenati, l’attuale popolo italiano ha ben poco da spartire. Non e' neanche il caso di prendersela tanto con la classe politica che mai come attualmente e' degna e fedele rappresentanza del popolo. Non voglio fare di tutta un erba un fascio ne voglio essere troppo severo e disfattista nei confronti della nostra nazione. Non tutto e' da buttare ma per risollevarci bisogna lavorare davvero tanto. Per quanto riguarda l’erba del vicino poi non tutto e' da esaltare e da promuovere, nella capitale tedesca ho dovuto aspettare tre ore ad un pronto soccorso e poi dicono della malasanita' dell’Italia meridionale...

L.: Ci parlate invece della vostra visione del Giappone.

Miro: Fin da piccolo ho sempre associato il Giappone alle formidabili onde di Katsushika Hokusai... uno dei mie pittori preferiti in assoluto le sue spettacolari trentasei vedute del monte Fuji... la forza dei particolari nelle scene quotidiane la sorprendente descrizione della sua terra... le meravigliose vedute d'insieme... il tratto di una contemporaneita' sconcertante per un artista dell'800 sono alla base della mia ammirazione per questo straordinario paese se attraverso il "Grand Tour d'Italia" tanto caro a Goethe... gli osservatori i viaggiatori del passato scoprivano il "bel paese" i grandi maestri della pittura giapponese... oltre a Hokusai... penso a Utamaro, Masanobu, Hiroshige, Harunobu, Moronobu, Ando... sono stati per me una vera rivelazione... posso dire che ho scoperto il Giappone attraverso i lori dipinti ancora oggi le arti figurative giapponesi contemporanee mi seguono ovunque... adoro Yamamoto e considero Yoshihara il piu' importante artista giapponese del XX secolo quando posso non mi lascio sfuggire una mostra... un evento sono d'accordo sul principio della forte convergenza fra due culture completamente opposte sulla diversita' che attrae...

Maurizio: Ho grande e profonda ammirazione per tutti quei paesi che nonostante siano usciti con le ossa rotte dalla 2°Guerra Mondiale, si sono risollevati riuscendo a diventare delle vere e proprie super potenze. Personalmente e contrariamente da quello che si possa pensare, sono affascinato da quello che ha rappresentato la cultura giapponese nell’antichita', quella classica e medioevale dei guerrieri samurai. Se un giorno mi dovesse capitare di visitare il Giappone e' proprio da li che inizierei il mio approfondimento.
Come tutti gli ultra-trentenni poi sono cresciuto con i cartoons giapponesi, quelli dei robottoni eccettera eccetera e con i fumetti manga. So che c’e' una scena punk molto fertile. Per quanto riguarda la letteratura mi piacciono Banana Yoshimoto, Junichiro Tanizaki e Mishima Yukio.

L.: Miro, se dovessi presentarti ad un paese che non ti conosce ancora, che cosa diresti di te stesso? Chi e’ Miro Sassolini?

Miro: Io... Miro? Abito l'Arte ma non gli pago l'affitto sono un uomo che si affida alle emozioni nel mio percorso non vorrei coinvolgere nessuno perche' se dovessi sbagliare... finirebbero per pagare (anche) gli altri non ho paura di imbattermi in un temporale non perdo tempo nel cercare un riparo tanto finirei con il bagnarmi lo stesso invece... aspetto che la pioggia inzuppi il mio corpo dopo un po’... la sensazione di essere un tutt'uno con essa e' stupenda... indescrivibile ecco cosa direi di me non sono un uomo qualunque...

L.: Tra il tuo primo e storico album con i Diaframma “Siberia", passando per "Tre volte lacrime" e tutto il resto fino a questa ultima collaborazione con i (P)neumatica e in attesa di un nuovo lavoro tutto tuo, quale canzone (o quali canzoni), quale passaggio o melodia pensi ti rappresenti di piu’? Ci sono delle liriche o delle parole che hai scelto per i tuoi testi (o hai deciso insieme a Federico al tempo) delle line melodiche, delle sfumature della tua voce alle quali sei particolarmente legato o ami di piu’? Dove e quali?

Miro: I testi scritti da Fiumani per Siberia... Tre volte lacrime... e Boxe sono stupendi del resto Federico continua a scrivere cose molto belle credo sia la sua principale caratteristica... saper scrivere ho un ricordo complessivo di tutto questo... un ricordo che si mischia agli umori del passato le frasi si accavallano... non ci sono preferenze... cose da ricordare come se dovessi ricomporre un puzzle ho vissuto la mia prima avventura artistica in un periodo storico/artistico irripetibile ho avuto fortuna... questo e' il segreto... non devo ricordare un momento in particolare..."ma... un mondo" la musica segue la stessa sorte... lo stesso approccio emotivo non so dirti qual'e' il brano dei Diaframma a me piu' caro... ma posso spiegarti perche' lo sono tutti... indistintamente amore per tutto quello che ho fatto in quel periodo con i Diaframma incondizionato amore... e la consapevolezza di avere una grande occasione davanti a me la gioventu' e una bella invenzione quando te lo puoi permettere quando ti viene "concessa"...

L.: Piuttosto che chiederti che cosa ne pensi di quello che e’ stato, di che cosa era la musica quando hai iniziato con i Diaframma, accanto ai Litfiba e a tutti gli altri (una realta’ che comunque rimarrebbe lontana e inafferrabile a degli ipotetici lettori giapponesi, totalmente estranei a quel background distante, tutto italiano) vorrei invece sentire che ne pensi dello stato attuale dell’Arte e in particolare della Musica italiana oggi.

Miro: L'artista dovrebbe essere soprattutto... un artigiano questa fondamentale dimensione artistica prettamente italiana e' andata perduta per sempre l'arte contemporanea in Italia e' compromessa da tempo poca voglia di rischiare il presente forti di un passato glorioso...amen! Nel cinema se facciamo uno o due ottimi film all'anno gridiamo immediatamente... alla rinascita del cinema italiano! ci vuole ben altro! La musica e per musica intendo... quella che in tanti abbiamo costruito mattone su mattone… attraversa un percorso diverso da tutto il resto era e deve rimanere undergroud se vuole vivere di luce propria e' in questo spazio... in questo spicchio di limbo... che nascono le stupende realta' musicali italiane io cerco di salvaguardare questo straordinario patrimonio... sapendo che tutto quello che ascolto ...tutto quello che mi entusiasma e' (anche) frutto del mio albero tenace. Grazie...

Benvenuti al Bar la Muerte!
Una piccola grande etichetta italiana

...e all’entrata un bel teschio piratesco (un’icona　che tanto ci ricorda l’insegna intermittente del One Eyed Jack dello sceneggiato Twin Peaks). Ma niente stramberie o mostri da baraccone, si tratta soltanto di musica realizzata e prodotta (retorica a parte) con zelo ed estrema selezione. Un progetto certo - questo di Bruno Dorella responsabile anche delle band OvO e Bachi da Pietra - che promuove artisti con forte propensione sperimentale, a tratti misteriosi e oscuri, talvolta di travolgente forza espressiva e poetica (come i citati Bachi e il loro cosiddetto “blues medievale”). La musica e l’Arte va a braccetto con la sperimentazione, l’avanguardia, il concetto di “made by myself”. Quanto di piu’ lontano percio’ dai prodotti nostrani nazionali di largo consumo. Proprio per questo di piu’ facile sdoganamento; alcuni dei loro nomi sono oggi noti e finalmente apprezzati e distribuiti anche fuori dall’Italia. E cosi, tanto per citare alcuni degli artisti piu’ interessanti tra gli esordienti, ci sentiamo di consigliare i Fuzz Orchestra. Interessantissimo e’ il loro minialbum omonimo. Un groove confuso e dirompente (le cacofonie protopunk di Stooges e MC5) attraversato da intromissioni radiofoniche e voci dal dopoguerra. La zona tematica in cui sembra agitarsi l’intero progetto (vedi ad esempio le grafiche che ne riprendono anche il senso estetico) sembra essere il ventennio fascista o forse sarebbe meglio dire il ricordo edulcorato e contraffatto che se ha oggi troppo spesso in Italia di quei terribili anni. Questo anche attraverso i titoli dei brani, le parti documentaristiche dell’epoca, gli interventi e alcuni celebri commenti radiofonici negli anni dopo il conflitto; il tutto eccezionalmente mescolato alla musica.
Impossibile non citare poi i Ronin, probabilmente tra le realta’ piu’ importanti, in questo momento, nella musica indipendente. E’ stato un mezzo best seller il loro disco omonimo di esordio, avvolto in atmosfere morriconiane, estremamente cinematiche; una sorta di blues desertico, molto dilatato. E poi i nostri preferiti: i Bachi da Pietra. Sempre a nostro modesto parere la proposta piu’ originale e straordinaria di tutta la scuderia del Bar. L’arte contemporanea, quella che conosciamo attraverso le tele di Fontana, le concrezioni di Burri, le sublimi astrazioni colate di Rothco (autori che hanno ispirato e continuano a influenzare non soltanto le arti visive ma anche la musica contemporanea) sembra finalmente trovare nelle composizioni dei Bachi da Pietra una sua giusta e piu’ perfetta traduzione in musica. Sulla stessa scia di ispirazione, con molti punti comuni nell’estetica ma anche completamente diversi per stile e impatto, ?alos, progetto solista di Stefania Pedretti o anche lo stralunato canzoniere del menestrello della nuova apocalisse Daniele Brusaschetto... Soltanto due delle proposte piu’ interessanti del Bar.
Lasciate ogni speranza, voi ch'entrate...

Abbiamo intervistato Bruno Dorella (leader del Bar la Muerte e fulcro di molti dei soggetti dell'etichetta) e Giovanni Succi (voce e poeta dei Bachi da Pietra). Nonostante la loro refrattarieta', in generale, nei confronti del giornalismo e in particolare all'approccio spesso superficiale e per niente dialettico che offrono molti - forse la maggior parte - dei critici musicali, alla fine si sono resi molto disponibili per questa interessante chiacchierata insieme.

Leonardo: Caro Bruno tra i tuoi progetti di maggior respiro inizierei parlando di Ronin. In giapponese, come saprai bene, questa parola ha diversi significati. Quello piu' comune, che indica uno aspirante studente universitario che non riesce a superare il test d’ingresso e che deve percio' aspettare ancora un anno per ritentare l’esame. E poi quello, diciamo, piu’ antico e a suo modo “poetico” e “etico” che invece e’ la definizione di “guerriero senza signore” (signore = padrone) e per esteso, usando una sorta di eufemismo, “un cane sciolto”. Perche’ avete scelto questa sigla? Quali significati raccoglie? Cosa distanzia Ronin dagli altri tuoi progetti, musicalmente, esteticamente e concettualmente parlando? Puoi farci dei parallelismi o evidenziarci le differenze sostanziali, le esigenze e i traguardi raggiunti o che ti sei / vi siete imposto/i in ogni progetto in cui sei presente?

Bruno: Naturalmente il significato “antico e poetico” e' quello che mi ha fatto optare per questo nome. Mi sento fortemente Ronin, soprattutto nell’accezione piu' romanzata del termine. Senza un padrone ma con animo puro e nobile, un combattente destinato alla sconfitta ma a testa alta. L’eroe sconfitto e' uno dei concept della musica dei Ronin. Inoltre noi tutti nel gruppo siamo un po’ Ronin, nessuno appartiene veramente al gruppo, tutti suoniamo anche in altri gruppi con i quali facciamo tutt’altra musica... inoltre siamo sempre in tour... E' una vita un po’ da Ronin, appunto. Ronin e' del tutto diverso dai miei altri progetti. Ci suono la chitarra, mentre negli altri gruppi suono la batteria, ed e' l’unico gruppo in cui scrivo io le musiche. Le differenze estetico musicali con OvO e Bachi Da Pietra poi sono abbastanza evidenti. Coi Ronin ho raggiunto un traguardo molto importante che e' quello che fare colonne sonore. Il gruppo e' molto cinematica, e speravo che prima o poi capitasse. Siamo stati fortunati, la proposta e' arrivata da una regista molto brava (Alina Marazzi) per un film molto bello (Vogliamo Anche le Rose). Questo e' un risultato importante. Ora dobbiamo riuscire a trovare il modo di suonare di piu' in tutto il mondo. Con gli OvO ho suonato in lungo e in largo in Europa e Nord America, con puntate in Messico, Israele, Turchia... ma coi Ronin le esigenze economiche, le spese e le vite di ognuno di noi ci hanno finora impedito di andare oltre l’Europa, quando credo invece che le potenzialita' per un “successo” internazionale sarebbero altissime, anche in altri continenti. Non sono mai venuto in Giappone con nessuno dei miei gruppi, nemmeno con gli OvO, il che e' clamoroso! aspettiamo inviti!

L.: Quali altri artisti o progetti italiani, al di fuori dell’entourage di Bar la Muerte, ti stimolano di piu’ o ritieni siano particolarmente interessanti per un ipotetico ascoltatore giapponese che si avvicina ad “un certo tipo” di musica (italiana) e perche’? Insieme ai vostri lavori, quali altri titoli italiani secondo te dovrebbe affrontare?

B.: I nomi sono tanti, ma su tutti direi i dischi del catalogo Wallace records. Come gruppi invece mi piace molto il modo in cui si stanno muovendo i Jooklo (fanno parte della famiglia anche Zurich vs Zurich e Hypnoflash), Jealousy Party e naturalmente Zu, che credo siano piuttosto noti anche in Giappone.

L.: Quanto ritieni importante per lo sviluppo e la prosperazione dei tuoi progetti la componente live, l’esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore? Non ho ancora ripercorso approfonditamente tutta la storia dei tuoi nuclei artistici sino ad oggi ma immagino che con il potenziale comunicativo di certe cose che fai, avrai gia’ avuto molte volte l’opportunita’ di esibirti dal vivo, al di fuori dell’Italia... dove e che tipo di riscontro hai raccolto? Hai in programma di raggiungere anche il Giappone?!?

B.: Te lo dico subito: ucciderei per venire a suonare in Giappone. Non vedo l’ora di vedere questo paese che mi incuriosisce in modo incredibile, so gia' che me ne innamorerei. Ma per ora non siamo ancora stati invitati, e voglio entrarci dalla porta principale, quindi aspetto che qualcuno mostri reale interesse e ci inviti. Per il resto, con gli OvO ho suonato praticamente in tutto l’Occidente, decine di toue europei e 6 tour americani. Coi Ronin come dicevo solo l’Europa, coi Bachi Da Pietra, a causa della lingua, soprattutto l’Italia ma anche un po’ d’Europa con ottimi risultati.

Ritengo il live la componente fondamentale del mio approccio alla musica, che e' un approccio onnivoro ed omnicomprensivo che include il viaggiare, il mangiare, l’amare la vita stessa.

L.: Parlaci un po’ dei dischi, tra quelli che hai inciso sotto diverse sigle, che ritieni fondamentali nel tuo percorso artistico sino ad oggi e spiegaci il perche’. Che cos’e’ Bar la Muerte?

B.: Bar La Muerte e' la mia casa discografica. Credo che i dischi fondamentali di Bar La Muerte siano quelli delle Allun e di ?Alos. I miei dischi fondamentali invece sono quelli usciti per altre etichette: direi “Non Io” dei Bachi Da Pietra (Wallace records), “Lemming” dei Ronin (Ghost records), per OvO metto sia il disco di imminente uscita su Load records “Cocevia” sia il disco di remix “OvO rmxd by Daniele Brusaschetto” appena uscito su Blossoming Noise. Sono i dischi piu' compiuti, completi e a fuoco di ogni gruppo, e credo che il fatto di averli incisi per altre etichette mi abbia spinto a lavorare meglio.

L.: Che ne pensi dell’immagine e della fama che si ha del nostro paese all'estero e della realta’ tangibile, invece, e dell’essenza dell’Italia attuale; quanto di tutto questo e in che misura si riversa (ha un peso reale, se lo ha) sul prodotto artistico dei tuoi progetti e degli altri artisti di Bar la Muerte?

B.: Da due anni vivo in Germania, e noto che tutto quello che si dice del pressappochismo italiano e' assolutamente vero. Siamo fatti cosi, anche se/e quando proviamo ad essere diversi (e spesso ci riusciamo). Ma quella e' la nostra natura. Siamo geniali ma pigri, orribilmente disorganizzati ma capaci di risolvere problemi pazzeschi con niente. L’Italia non funziona, un paese che vota Berlusconi tre volte non pu? funzionare. Ma anche la Germania, ad esempio, ha i suoi difetti. Una societa' cosi regolata ma incapace di risolvere problemi che esulino dal previsto, tanto fredda e spietata nei rapporti umani e lavorativi normali, quanto esageratamente libera ed autodistruttiva nei momenti di “festa comandata”, con una tolleranza all’alcolismo ed alla violenza ghettizzata secondo me esagerati. Ogni paese ha il suo modo di vivere. Il tempo dell’Italia c’e' stato, come c’e' stato il tempo dell’Egitto, della Persia... ora l’Italia e' lo “scherzo geografico” di cui parlava Bismarck, e a quanto pare e' quello che ci meritiamo, nonostante tante cose positive e tante menti geniali escano (letteralmente, nel senso che se ne vanno) dal nostro paese. Ma una cosa deve essere chiara: amo l’Italia, maledizione.

L.: Che idea hai invece tu del Giappone?

B.: L’idea che ho del Giappone, che potrebbe essere anche del tutto falsata dalla mia immaginazione e dall’effetto dei media, e' duplice. Da un lato Tokyo e le altre grandi citta', caotiche, deliranti, coi concerti che si tengono ai 39esimi piani dei grattacieli, i karaoke, il cibo da strada , gli odori di pesce, le curiosita' gastronomiche che mi farebbero impazzire dalla mattina alla sera, i giocattoli e le insegne coloratissime in un alfabeto sconosciuto, dall’altra invece il resto del Paese, molto piu' quieto, i villaggi di pescatori, le isole, le terme con le scimmie, le ciotole di riso, i templi, il te', i futon, un Giappone molto piu' tradizionale.

Ascolto tantissima musica giapponese contemporanea. Dal rock di Zenigewa, Ultra Bide e Acid Mother Temple al garage di Guitar Wolf, dal noise di Merzbow, Masonna, MSBR, Fushitsusha, Yamatsuka Eye, alla classica contemporanea e all’avanguardia di Otomo Yoshihide, Ikue Mori, Mamoru Fujieda, Yuji Takahashi, Norman Yamada, Teiji Ito , passando per il mondo parallelo di Boredoms e Corrupted. Abbiamo fatto anche uno split con KK Null su Bar La Muerte, che mi piacerebbe fosse meglio distribuito in Giappone.

L.: Riguardo ai Bachi da Pietra, vorrei coinvolgere Giovanni, partendo anche in questo caso con la medesima domanda relativa al significato di questa vostra sigla.

Giovanni: ...pare che il destino della mia vita come musicista sia quello di spiegare eternemente il significato del nome dei miei progetti e cose del genere, che musica facciamo, qual'e' il nostro messaggio. Solo dopo tre lustri che lo faccio comincio a perdere un po' di entusiamo e mi viene da dire a chi me lo chiede: ascolta. Facciamo dischi apposta. Ma bene bene, faro' ancora una volta il compitino...

Bachi da pietra (come macchina da scrivere) significa bachi per fare la pietra e non la seta, come suggerirebbe il nome comune da cui e' tratto il gioco di parole (...difficile eh?); altre accezioni: bachi informatici in grado di intaccare la pietra; insetti che filtrano (inghiottono e cacano) pietra. Considera che pietra in inglese si dice rock.

Ed ecco che hai la risposta anche alla domanda "che musica fanno i Bachi": rock, nel senso non classica contemporanea o folk. Quale branchia della musica comunemente nota come rock? Blues, che in realta' ne e' la matrice... tutto questo In modo assai essenziale, sfruttando il carattere fondamentale del genere, quello della reiterazione ossessiva ad esempio; che ritrovi anche nella house o nella tekno. Esatto. Quindi come il nome collega idealmente preistoria e futuro anche la musica collega idealmente radici e contemporaneita'. Esatto. Quindi una specie di tekno blues fatto a mano; qualcuno ha detto "blues medievale": non ha senso ma puo' dare l'idea...

L.: Vorrei ricordare che il vostro disco “Non Io”e’ uscito per la Die Schachtel di Bruno Stucchi (precisando pero' che e' stato dato alle stampe lo scorso dicembre il bellissmo "Tarlo Terzo" per Wallace Records, acclamato da pubblico e critica): un'etichetta che si occupa fondamentalmente, per usare un definizione fin troppo di comodo, della pubblicazione di autori ormai “storicizzati”, soprattutto nel contesto della musica moderna e d’avanguardia in Italia. In merito a questo discorso, non so, mi vengono in mente alcuni titoli che ho sottomano: Gruppo di Improvvisazione di Nuova Consonanza o le ultime pubblicazioni dell’etichetta; tra le ristampe: Zaffiri, Grossi e Bertoncini; tra le cose piu’ recenti invece, Bosetti, Belfi, Pila...
Trovo - e bacchettatemi se oso troppo - che “No Io”, nonostate tutto questo parlare di avanguardia e contemporaneita' sia fondamentalmente un'opera spiazzante, di rock sperimentale, destrutturato, ma intimamente legato ad una forma canzone abbastanza “convenzionale”. Natura che rende il disco, a parer mio, un capolavoro della musica italiana contemporanea (comunque tutto cio’ non e’ che uno degli aspetti piu’ interessanti di “Non Io” e anche del nuovo "Tarlo Terzo"!).

G.: Esatto. Pero' e' tutto fatto con strumenti ridotti all'osso, senza elettronica: chitarre (una alla volta, mai sovraincise), due tamburi e un piatto..

L.: "Non io" come gia' detto e' uno dei vostri capolavori... a parte il taglio musicale, quali sono le dinamiche mentali e artistiche che lo hanno ispirato?

G.: "Non io" e' l'entita' che parlando di se' l'uomo contrappone all'"io" nel quale si riconosce. Di solito ci si riconosce come innocente, giusto, in piena ragione, mai colpevole; di solito nessuno accetta un minimo grado di responsabilita' per se' in ogni minima cosa, tendendo ad addossare la responsabilita' del male a persone ed eventi al di fuori di se'. Questo in Italia accade al sommo grado: l’abbiamo elevato a sistema. Per questo siamo i campioni del declino del mondo occidentale, siamo il terzo mondo del primo mondo; siamo migliaia di mondi in uno, tutti in conflitto tra loro. Le nostre mafie producono migliaia di morti ammazzati l’anno e governano il mondo deturpandolo come cancri, ma da noi quando si parla di problema “sicurezza” si intende solo quella da crimini collegati all’immigrazione. Il mondo fittizio nel quale viviamo e' fondato sulla contrapposizione elementare e farsesca di bene male. La catena degli eventi narrata nel testo riproduce il ripetersi perpetuo della storia intesa come scenario della sopraffazione e della violenza, letteralmente, da una parola in su. Basta individuare un diverso, ritenerlo colpevole del nostro male ed agire su di lui. Che e' piu' facile e sbrigativo rispetto all'agire su di noi. Di solito queste dinamiche partono da coloro che si ritengono piu' “sani”: scavi di due centimetri e scopri che il panettiere o il dentista o il tale che saluti ogni mattina, ha dei figli, un lavoro, una casetta col giardino, e' pronto a trasformarsi per paura in un sanguinario, e' pronto a scatenere l’Armaggedon se solo ne avesse l’opportunita'. Ma se glielo chiedi lui ti dira' che gli altri, i nemici, sono i malvagi: non lui. Se leggi il testo queste cose ci sono? Io credo o presumo (presuntuosamente) di si. Ma ecco l'"aiutino". L'arcano e' risolto. Riaggancia , hai vinto mille milioni di euro.

Ringraziamo Bruno Dorella e Giovanni Succi per la loro cortese e preziosa disponibilita'. Ma anche tutti gli altri artisti del Bar la Muerte. In realta' avevamo infatti contattato anche Daniele Brusaschetto, Stefania Pedretti (OvO, ?alos) e Luca Ciffo (Fuzz Orchestra). Da loro abbiamo ricevuto i promo di alcune opere e li abbiamo anche ascoltati in merito a diversi temi. Con il tempo contiamo di inserire tutto quanto in questo spazio e nel suo corrispondente in giapponese.

Grande e inaspettato il ritorno dei romani Gronge. Sembra essere passato un secolo dai tempi delle loro apparizioni travolgenti e spettacolari durante i loro concerti negli anni 80. Periodo in cui erano una delle realta’ piu’ interessanti e innovative della musica in Italia. Mescolavano tanti generi, tante idee, tante esperienze, umane e artistiche. Raggruppando e riordinando tutto questo, quasi come se fossero tanti oggetti trovati e raccolti durante un lungo cammino, strada facendo. Istrionici e carnevaleschi, sempre impegnati socialmente ma mai vittime delle proprie ideologie. Nessuno probabilmente in Italia ha potuto e puo’ reggere il confronto con loro, in questo senso, anche oggi. Adesso il loro leader storico, Marco Bedini, dopo anni di meditazione, impegno artistico e politico ha rimesso insieme il progetto, riducendo all’osso l’organico. Coniglio nazionale e’ una raccolta allora di canzoni collocabili in tutti i generi e in nessuno. Fondamentalmente un disco di rock elettronico (“Ho visto cose”, “Squadroni della gioia”, “L’apparenza inganna”) con forti pulsioni improvvisative (“Coniglio Nazionale”, “Normal Killer”, “Rimanevo a Roma” ) e rapidi cambi di clima ("Strano Paese", "Karaokke", "Pigaciu'"). Godibile nonostante celi in se’ delle urgenze espressive strabordanti e una forza drammatica dirompente. Consigliato a chi si intende di rock e vuole ascolatare qualcosa che lo allontani anche dai piu’ nobili degli stereotipi della canzone italiana.

Coniglio Nazionale... vieni fuori... non temere.

Abbiamo ascoltato Marco Bedini, colui che, piu’ di ogni altro membro, passeggero o “momentaneamente” stabile della formazione, rappresenta il vero spirito Gronge:

Leonardo: Spieghiamo ai giapponesi il significato del titolo del tuo nuovo disco “Coniglio nazionale”: perche’ questa scelta e perche’ sulla copertina del vostro disco c’e’ la pubblicita’ di un coniglio ben spellato, pronto per essere venduto e cucinato? (n.b. in Giappone il coniglio in genere non si mangia, e’ considerato un animale domestico alla stregua di un gatto o di un cane; e' quindi impossibile immarginarselo come portata in un pranzo tipico giapponese... per i cuori piu’ deboli questo discorso e’ addirittura un tabu’!)

Marco: rispondo ai simpatici (eventuali) lettori nipponici che devono immaginare la copertina come se al posto di un coniglio ci fosse un cane oppure un qualsiasi animale ritenuto non commestibile in Europa e che possa rappresentare al meglio il popolo giapponese. Ovviamente scegliendolo dal catalogo di un supermercato qualsiasi.

L.: Ti chiedo una cosa su cui ho ascoltato anche altri artisti italiani che ho invitato a intervenire nel nostro sito; una sorta provocazione. Ma dietro l’ironia sorniona e la vacuita’ del concetto che sto per esporti e sul quale vorrei interrogarti, si cela un dramma reale molto piu’ profondo, relativo all’Italia ma soprattutto agli italiani e all’idea, stereotipata o meno, che si ha spesso di loro in altri paesi.

In Giappone c’e’ uno stereotipo piuttosto diffuso sugli italiani e sull’italianita’; un modello culturale e sociale italiano che e’, nel bene o nel male, nell’immaginario di un po’ tutti i giapponesi, dall’uomo della strada all’intellettuale di nicchia; si riassume in una definizione in tre parole: ”mangiare,　cantare, amore”. La diffusione e la prosperazione di questo tipo di fama e' dovuta in parte anche un po’ a noi italiani che siamo qui; soprattutto a chi di noi ( escludo gente tipo stragisti e pseudo esuli politici come Zorzi, purtroppo anche loro qui in Giappone) e’ in contatto diretto con il “pubblico” giapponese, attraverso l’insegnamento o i media. Quanto ti sembra vero di questa definizione degli italiani e quanto ti riconosci, se ti ci riconosci, in questo “modello” come italiano e come artista italiano?

M.: Mangiare cantare amore sono delle meravigliose attivita' nelle quali e' sempre piu' difficile eccellere e che comunque in fondo non rappresenterebbero un pessimo font culturale se solo fossero un minimo vicine alla realta' che sempre piu' spesso purtroppo le esclude. Pero' a tutti i simpatici giapponesi che coltivano questi onorevoli pregiudizi vorrei ricordare che hanno forse dimenticato la mafia?

L.: La componente live, l’esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore, che ruolo e che importanza ha per voi?

Avete in programma in futuro, sulla base del seguito che state di nuovo riscontrando, di esibirvi in altri nazioni (se si, dove?) e di allargare i vostri concerti in altri paesi?

M.: Allargare il fronte x quanto possibile e' sempre nei nostri pensieri desideri. Il rapporto gruppo fruitore e' l'anello cardine intorno al quale si muove tutta la nostra (mia) esperienza. Credo che il palcoscenico sia ormai da considerare una struttura medievale gia' in grossa parte sorpassata dallo sviluppo tecno-mediatico che ha sterilizzato quasi completamente ogni forma di spettacolo imbustandolo e deprivandolo di odori sapori e di qualsivoglia contatto epidermico. Ogni esibizione live deve necessariamente trasformarsi in uno stage yoga x avere qualche speranza di continuita'. Ogni incontro artistico deve offrire al fruitore un ponte catartico per accedere allo stato di grazia al quale un pubblico "sano" deve aspirare x fottere definitivamente il vuoto commercio che offre il mainstream.

L.: Ho fatto questa stessa domanda a Remo Remotti e sono in attesa che mi risponda... ora la rivolgo anche a te. Roma rimane una delle citta’ italiane piu’ amate e conosciute (sinceramente e profondamente) in Giappone. A volte e’ difficile anche fronteggiare le richieste dei nostri visitatori o misurarsi con la conoscenza che si ha qui, in certi ambienti e con tanti estimatori giapponesi, della citta’ eterna. Come Remo Remotti e forse ispirandoti incosciamente a lui, hai scritto e interpretato , a tuo modo, la "romantica" elegia “Rimanevo a Roma”.

Che cosa significa per te questo gesto artistico e che significato ha il testo della tua canzone? Come spiegheresti “in prosa” quello che ha sviluppato in “versi” in “Rimanevo a Roma"? Dove sono vicine e dove completamente distanti le due visioni e il senso del rapporto con la propria citta' nella tua canzone e in quella di Remotti? Ironia a parte, che senso ha per te questo "andarsene, tornarsene , rimanersene"...

Ha un significato oggi la (tua/vostra/nostra) romanita’ (e mi riferisco anche a certe esternazioni e a certi sintomi di parte del mondo politico e sociale attuale)?

M.: Quella mia non era ispirata da Remotti che tra l'altro conosco personalmente ma una risposta... e nella fattispecie cercavo di far capire che se uno va via da un posto un altro rimane. E l'altro cioe' io non se ne andava semplicemente perche' non sapeva cosa significava andare via per il banale fatto che gia' spostarsi da una borgata in centro rappresentava allora un bel viaggio. Per spostarsi occorre una cultura dello spostamento non soltanto un bisogno. Remo era ed e' un borghese con ampie possibilita' materiali e spirituali io ero e sono un sottoproletario che ha acquisito proprieta' spirituali ma al quale ancora languono quelle materiali. Chiarito questo (senza polemica) vengo a spiegarti la romanita' vera o presunta tale; ma veramente ce n'e' ancora bisogno in un mondo di localismi esasperati che chiedono da ogni dove autonomie x paesi che contano 500 000 persone (gli abitanti di Cinecitta') ? La romanita' per tornare a Remotti non e' un attibuto di zona ma un sentirsi tale ed io nei miei viaggi complessi e forse mistici trascino ovunque un puro e semplice senso d'appartenenza. Chiaro?

L.: Se ci fossero le possibilta’ che cosa vorreste “esportare” di voi, della vostra Arte e dell’Italia in Giappone?

M.: Esportare? io viaggiando di solito importo.

L.: Che idea avete invece tu del Giappone? Se ti interessa, per quale motivo? Quali progetti o autori giapponesi preferisci o ti sembrano particolarmente interessanti? Hanno in qualche modo o qualche volta ispirato i tuoi/vostri lavori?

M.: Il Giappone? kitano yakuza kitano e sushi.

...un Chitarrista; Cantautore e Scrittore Italiano. E' stato chitarrista e compositore dei CCCP e dei successivi CSI.

Ma Massimo Zamboni e’ “soltanto” questo?

Diciamo pure che sarebbe abbastanza, considerando il valore di “alcune” opere che ha ideato, realizzato e prodotto sotto le sigle sopra citate (gli album "Affinita' e divergenze tra il compagno Togliatti e noi" o "Kodemondo", tanto per fare due esempi esplicativi, sono pagine di Storia "nostra").
Ma e’ il suo contributo allo sviluppo della Musica italiana di questi ultimi trent’anni che lo rende ormai quello che in Giappone chiamerebbero un Mukeibunkazai ("Tesoro Culturale Nazionale"); e perche' no, una voce enciclopedica!
Ironia a parte e’ bene dire che con i CCCP, gruppo (post) punk emiliano nato alle soglie degli anni ottanta, Zamboni ha firmato alcune delle canzoni piu’ importanti di quel periodo e della musica italiana nel suo intero, regalandoci degli album estremamente particolari e bizzarri. Il loro stile era una sorta di punk isterico, fatto di improvvisi cambi di umore e sonorita’, arricchito da melodie mediorientali, canti popolari sovietici, cori delle mondine, ritmi e danze da balera romagnola... Insomma niente di mai sentito prima in Italia. Su tutto la voce unica, sgraziata e ammaliante, schizofrenica e irritante, fascinosa e urticante di Giovanni Lindo Ferretti; un po’ poeta maledetto, un po’ muezzin, un po’ dilettante al microfono. Autore delle liriche piu’ pregne di significato e influenti, nel campo della letteratura applicata alla musica e ai testi di una canzone, mai pubblicate prima. Dopo i C.c.c.p., con i C.s.i., i due hanno proseguito il loro cammino, insieme, cambiando e perdendo alcuni pezzi per strada (i performer , da loro ribattezzati “artisti del popolo” , Fatur e Annarella) aggiungendone di piu' o meno preziosi: citiamo Gianni Maroccolo, Ginevra Di Marco, Francesco Magnelli, il compianto Ringo De Palma, Giorgio Canali.
Un pochino in piu’ di agiatezza, rispetto certamente agli esordi "punk", sopraggiunta con il successo negli anni '90, li ha leggermente irrigiditi, ne ha smussato le parti piu’ velenose e caustiche del loro carattere. Questa trasformazione li ha resi pero’ nel frattempo anche piu’ popolari, piu’ forti, piu’politically correctly. Piu’ lungimiranti e se vogliamo talvolta anche troppo di manica larga, soprattutto in merito a certe loro amicizie, per alcuni del tutto sbagliate, con certi personaggi del mondo dello spettacolo; spesso paradossalmente scelti proprio tra gli emblemi di una sottocultura da loro sempre criticata. E poi le loro apparizioni in tv, alcuni passi falsi nelle loro pubblicazioni, il successo, i flop, la chiusura... fino all’abbandono a se stessi, finche’ la barca va... (ci sentiamo di citare in questo senso i pretenziosi e imbarazzanti tentativi dei P.g.r., venuti dopo i C.s.i.).

E' da qui, o quasi, che comincia la carriera solista di Zamboni.

Nel 2004 - citiamo sempre l’ineccepibile Wikipedia - ha pubblicato l'album “Sorella sconfitta” realizzato con Nada, Lalli, Fiamma Fumana e il soprano Marina Parente (...). Ha realizzato per il cinema diverse colonne sonore quali: "Passano i soldati" di Luca Gasparini, "Benzina" di Monica Stambrini, "Velocita' massima" e "L'orizzonte degli eventi" di Daniele Vicari.
Zamboni ha intrapreso, almeno fino a oggi, un cammino totalmente diverso dalla sua controparte storica Giovanni Lindo Ferretti che ha scelto invece un ritiro radicale o quasi dalle scene; ritrovando una vena artistica ancora fertile e produttiva, non solo come musicista ma anche come eccellente scrittore. Sempre Wikipedia ci dice che sino a oggi ha pubblicato tre libri, uno dei quali con Giovanni Lindo Ferretti: "In Mongolia in retromarcia" (Giunti Editore) nell' anno 2000. Gli altri sono "Emilia parabolica" (Fandango) nel 2002 e "Il mio primo dopoguerra" (Mondadori) nel 2005.

Quest’ultimo, donatoci da Massimo, si rivela come una sorta di meta-diario dell’autore stesso. Suddiviso in tre parti e’ dedicato a tre citta’: Berlino, Beirut, Mostar. Si capisce subito, scorrendo il libro, che per lo scrittore questi tre “centri umani” sono distanti soltanto apparentemente e geograficamente. Al contrario, infatti, si rivelano tre citta’ fortemente vicine, per la loro essenza e per la loro storia, all’animo e allo spirito dell’autore/narratore/protagonista del testo. E' lui stesso, in prima persona, che osserva queste tre citta’ (anche visitandole e soggiornandoci!) e le fa interagire nel testo come tre luoghi geografici, tre poli culturali e umani, tre citta’ “madre”; l’autore ha legato indissolubilmente le proprie esperienze e la propria coscienza ad esse. Sente in profondita' il loro modo di trasformarsi, i loro conflitti interiori, nel tempo e nello spazio.

Il disco “l’inerme e' l'imbattibile” (che vuole probabilmente parafrasare proprio un passaggio dal libro sopra citato, nella parte dedicata a Beirut; il libro stesso si rivela un ottimo compendio per comprendere il senso di quest'opera ) e’ un progetto realizzato con il patrocinio della Regione Emilia Romagna e con la collaborazione di molti artisti (citiamo Nada, Nabil Salameh, Marina Parente). Si compone di un cd, un dvd (con un bel documentario realizzato con il supporto di Stefano Savona) e un libro. Dobbiamo ammettere che eravamo piuttosto scettici nei confronti di questa opera; soprattutto in base a quanto detto sopra e per i giudizi che circolavano in rete e sulla carta stampata. Ad ascolto fatto, “l’inerme e' l'imbattibile” ci sembra un opera tanto ambiziosa quanto convincente. Anche se inevitabili sono i confronti con quanto fatto sinora dal proprio autore. Tanto che a tratti il disco risulta una sorta di suo zibaldone artistico.
Non c’e’ da stupirsi allora se durante il suo ascolto si incappasse in degli ovvi deja’ vu; che si riuscisse improvvisamente a intravedere lo “spettro” di Ferretti nella voce di Zamboni (“Persona non grata”); che le chitarre ancora sfavillanti e melodiose ci riportassero alla memoria i C.s.i. (“Prove tecniche di resurrezione” e la coda di “Don' forget”). Ma se questi sono dei “limiti” e’ bene considerarne anche i pregi: intanto per cominciare la fine tappezzeria elettro(nica)acustica che l’autore sceglie per le proprie composizioni, interessante anche se talvolta gia’ sentita (“Gloria gracile”); poi le voci, non soltanto la sua o quella di Nada ma anche quella di una cantante lirica; le bass line molto trip hop (“L'ovvio diritto al nucleare di una vergine iraniana” con uno sfondo che sembra rubato da un pezzo “mai scritto” dei Massive Attack!), la poesia cubista e romantica di Zamboni nei suoi testi. Tutto cio’ confluisce in un disco molto ricco; un po’ patinato, certo, punto di arrivo di un (cantante) autore capace ancora di sorprenderci e di deliziarci.
Tutto sommato “l’inerme” e’ un bell’oggetto sonoro e visivo, incartato e impacchettato per il piacere nostro e di chi vorra’ dedicargli, anche soltanto per pura e semplice curiosita’, un ascolto appassionato.
In Italia, ci sentiamo di consigliarlo soprattutto a chi ha amato fino a oggi la collaborazione Zamboni-Ferretti, nei tempi in cui era ancora un matrimonio (artistico) navigato ma felice; in Giappone, a chi invece vuole partire dall’alto di una montagna (la lunga carriera e la decennale esperienza dell’autore) e scendere piano piano a valle, oltre, verso il mare: alla scoperta di un Emilia per niente “paranoica”(*).

(*) nota per chi siavvicina per la prima volta al mondo dei CCCP: “Emilia paranoica” e’ un brano storico dei vecchi CCCP, caratterizzato da un suono molto cupo e da un testo estremamente nichilista. Oggi Zamboni ha decisamente ammorbidito questo sound e alleggerito in parte i toni della sua poetica anche se rimane un musicista artisticamente e socialmente sempre molto impegnato e una figura di riferimento).

Abbiamo fatto una chiacchierata con Massimo che ci ha raccontato un pochino di lui, del suo passato, delle proprie esperienze come musicista e artista e soprattutto del suo presente come compositore, solista, scrittore e "essere umano".

Caro Massimo Vorrei fare innanzitutto una tua presentazione, anzi falla tu: Chi e' "Massimo Zamboni" secondo Massimo Zamboni?

Ho cominciato a suonare seguendo un percorso di salvezza personale, per una esigenza di vita piu' che di arte. A una eta' in cui allargare la frattura tra il se' che si vorrebbe e la costrizione sociale che ti circonda e opprime diventa un imperativo assoluto. Ho avuto fortuna, gli incontri e le possibilita' ricevute mi hanno lasciato seguire questa strada. Che e' diventata man mano piu' consapevole del carattere universale, salvifico, appunto, di questa ricerca. Fondare un gruppo come CCCP-Fedeli alla Linea, fondarlo su una urgenza immediata in una terra come l’Emilia Romagna che ha nella sua storia tutta la passione, gli ideali e le sconfitte suscitate dall’esperienza socialista del ‘900, significava prendere coscienza di chi si e', da dove si viene. Suonare “punk filosovietico”, significava inventarsi uno strumento di opposizione agli stilemi del rock e all’immaginario filoamericano. I successivi CSI, molto piu' popolari di CCCP, sono stati un allargamento di queste “istruzioni per sopravvivere” e un aumento della coscienza della possibilita' di affrontare il nostro mondo con gli occhi dell’arte. Poi e' cominciato un percorso solista, che continua a indagare, con musica e scrittura, alcuni temi cardine del nostro vivere assieme: la sconfitta, l’inermita', la grande forza della irripetibilita' individuale e allo stesso tempo la serialita' del nostro esserci. Forse scrivo canzoni d’amore, senza un corpo fisico.

Che cosa distanzia l’essenza dei tuoi lavori piu' recenti (come solista) da quella dei tuoi vecchi progetti: musicalmente, esteticamente e concettualmente parlando?

Il mio percorso assomiglia sempre piu' alla mia natura. Lavorare da solo ti sprofonda in un viaggio ben piu' profondo di quello offerto dalle dinamiche di gruppo. Dinamiche ricche, grazie alla diversita', ma che prima o poi si cristallizzano necessariamente in un punto di incontro che rende sterili. Essere soli non e' garanzia di per se', e fare musica non puo' essere una attivita' solitaria. Cosi' sono i compagni di strada, gli incontri casuali, spiazzanti, quelli capaci di dare nuovo fiato alla creativita'. C’e' una “ferocia” negli obiettivi di un gruppo, che non sono in grado di sostenere, mi sento piu' adatto ai percorsi di deriva.
Mi sento un isolato. E’ un momento molto difficile per la cultura italiana, la musica in particolare e' una disciplina inesistente, svilita, divisa tra piccole parrocchie e sogni di gloria. Credo che la musica debba saper fare i conti con la storia, e non con la musica, per ritenersi sensata. Certo, ci sono canzoni anche fulminanti, ma durano un attimo. E gruppi interessanti, ogni tanto... ma a me interessa altro, senza alcuna sciocca superiorita', non riesco a trovare “colleghi”. Amici si, certo, e persone che stimo: Nada, Saro Cosentino, Wolfango... Altre potenzialita' interessanti, Offlaga Disco Pax, Le Luci della Centrale Elettrica

Quanto ritieni importante per lo sviluppo e la prosperazione dei tuoi progetti (allora come oggi) la componente live, l’esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore? Ti sei esibito all’estero come solista, all’interno di altri progetti o in collaborazione con altri artisti? Hai in programma di raggiungere anche il Giappone?!

Molto importante, l’appartenere allo stesso spazio mentale e' insufficiente, senza la condivisione dello stesso luogo fisico. Il guardarsi negli occhi, le 2 chiacchiere veloci dietro il palco sono lo stimolo ulteriore per andare avanti. Io scrivo in Italiano, forse suono anche in Italiano, e come solista non sono mai stato all’estero. Il Giappone sarebbe un buon sogno, forse uno tra i pochi paesi dove sarebbe possibile oltrepassare la barriera delle lingue con immediatezza

Parlaci dei dischi, tra quelli che hai inciso sotto diverse sigle, che ritieni fondamentali nel tuo percorso artistico sino ad oggi.

Il primo 45 giri di CCCP, in vinile rosso, del 1984,"Ortodossia". Poche canzoni di punk filosovietico, dai titoli che sono gia' un programma: Live in Pankow, Spara Jurij, Punk Islam. Nasce tutto da li, da quelle intuizioni.

"Linea Gotica", di CSI, il farsi carico della storia, capire il proprio segmento storico e portarlo in musica.

Sorella Sconfitta, il mio primo album da solo, il primo sprofondamento personale dentro la condizione umana nella sua nudita', il carattere collettivo e salvifico della sconfitta

Raccontaci invece della tua attivita' come scrittore. Dove si concilia con il mestiere di musicista e compositore e dove invece diverge e prende altre strade.

Scrivere e' una estensione del suonare, e' un altro ritmo, tutto diverso; e' un mestiere solitario fino alla fine. Al contrario della musica, dove le canzoni sono gia' contenute in potenza nei primi accordi, ogni pagina e' una sorpresa, e' una deriva del pensiero e questo e' molto simile a me. Le note corrono via e sono inafferrabili, le parole possono essere trattenute, restano a lungo... Sento tutta la responsabilita' delle parole che scrivo, sono tutte pensate a lungo e discusse tra me. Non sono un narratore, ne' in musica ne' in scrittura, se devo raccontare una persona, come una situazione, non parto mai dalla pelle, ma da quello che c’e' sotto. Purtroppo scrivere chiede tempi lunghi, e' quasi un lusso poterseli concedere.

Che cosa ne pensi a proposito dell’immagine del nostro paese e della sua fama all’estero; e in contrapposizione, della realta' tangibile e della vera essenza dell’Italia attuale; quanto di tutto questo e in che misura si riflette sul prodotto artistico dei tuoi progetti, oggi?

Questa e' una delle centralita' del mio lavoro, e della mia vita. Provo quotidianamente sulla pelle e nei pensieri la frattura e l’imbarazzo tra le tensioni alle quali tu alludi nella domanda, e questa italianita' di melassa del "volemose bene", e dell’italiano "brava gente" e' una oppressione, in quanto carattere nazionale. Mi sento spesso come un esule in patria. Ho scritto su questi stimoli una canzone per il film Il mio paese di Daniele Vicari, si chiama La Mia Patria Attuale, dove alla “grande cecita'” in cui siamo costretti a vivere sento di dover opporre una crescente “passione accesa”

Che idea hai invece tu del Giappone?

Conosco poco del Giappone, per una sorta di “timore sottopelle” per una visceralita' che non so spiegare meglio. Ne sento il grande fascino, e amo l’essenzialita' e la coerenza di certe linee. Quei mondi interi resi con un solo dettaglio minimo... li sento molto vicini al mio procedere, ne ho anche descritto nel libro Il Mio Primo Dopoguerra. Ricordo un musicista anni ’70, Stomu Yamashita, ovviamente conosco Ryuichi Sakamoto, l’immancabile Banana Yoshimoto, ma confesso di conoscere poco altro.

Ti ringrazio molto per questa preziosa chiacchierata.

Massimo parlando di una sua visita ai villaggi Chatila e Sabra (Palestina):
...Si impara a sopportare e condividere il sorriso dei profughi, che "buca" una possibilita' di vita quotidiana, dobbiamo condividere i "Riprendi me!" urlati alle telecamere, con un sorriso e il pollice al petto. Ogni sorriso declama: "Io esisto". L'inerme e' imbattibile. Ogni sorriso e' una pratica di resistenza.

da Massimo Zamboni , il mio primo dopoguerra, Mondadori, 2005.

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l'Inerme
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Leonardo: Voi siete orgogliosamente toscani, della Versilia, giusto? I giapponesi, purtroppo ( e lo dico sinceramente perche’ mi piace molto la vostra zona, in particolare l’aria decadente e magica che si respira a Viareggio, in qualsiasi stagione, ma anche l’entroterra alle sue spalle che torno a visitare sempre, quando sono in Italia) non conoscono molto bene questa zona della Toscana offuscata dalla fama turistica di altre citta’ della regione... blando campanilismo a parte, che cosa vorreste dire a dei potenziali visitatori giapponesi, della vostra terra?

Fabio: Si noi siamo toscani, non esattamente versiliesi anche perche' nemmeno Viareggio a dirla tutta sarebbe Versilia, ma di quella zona compresa tra Versilia storica (Pietrasanta), il mare di Viareggio, il lago di Massaciuccoli (Puccini!) e le colline che ci separano da Lucca. Di Massarosa, nati tutti all'ospedale di Viareggio a pochi metri dal mare, tranne Giovanni Butori (il bassista) che e' di Lucca e che noi usiamo come anticorpo [:-)] visto che esiste un blando campanilismo che ci oppone ai “bigotti” lucchesi raccontati anche nella canzone “baciapile” e una differenza (oltreche' una profonda diffidenza) che definirei culturale da quell'ambiente “urbano” che la citta' di Lucca da secoli rappresenta anche iconograficamente, cinta dalla sue mura che la separano dal mondo e che ne hanno protetto piu' idealmente che praticamente il sistema di potere economico, politico ed ecclesiastico. Mi dilungo un po' su questo argomento per raccontare, della terra che ci ospita, uno dei tratti che io credo piu' importanti e piu' peculiari: la controversia, la sua alterita'. Come anche tu ricordi, uno dei fascini preminenti della Versilia e' la decadenza, che ha catturato negli anni molti viaggiatori anche importanti, che fra le altre cose ne hanno determinato la sua popolarita' internazionale, ma e' la controversia di questa terra la ricchezza piu' grande o che perlomeno merita di essere portata in salvo come una cosa mai conciliata. Nel giro di pochi chilometri si dipanano: Pietrasanta citta' d'Arte, l'alta Versilia dei cavatori e delle roccaforti anarchiche, le Alpi Apuane, il turismo alto borghese di Forte dei Marmi, la natura dimenticata della palude intorno al Lago di Massaciuccoli, la Viareggio della satira popolare del Carnavale, i cantieri per sceicchi, i bagnanti della domenica. Popolare e borghese, polvere e pepite, nazional popolare e underground, sacro e profano, solidarieta' e violenza. Per me e' una terra di sangue, di limite iscritto nelle mani di questa gente stretta tra la montagna e il mare. E se il paesaggio, le cose buone da mangiare e da bere, la storia ne giustificano una visita anche disintossicante dallo stupore prevedibile di Piazza dei Miracoli consiglio di fare un giro in questi posti d'inverno magari a carnevale per vedere i carri allegorici di cartapesta e come dice una famosa canzone del carnevale viareggino (il carnevale) “... ci dona per un mese l'illusion che tutto 'il mondo e' fatto di carton” ecco, forse potrebbe essere un buon inizio per un giapponese.

Leonardo: La componente live, l’esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore, che ruolo e che importanza ha per voi? Mi sembra di capire che avete accompagnato l’ultimo tour di Vasco Rossi, in giro per l’italia...come e’ nata questa possibilita’ e come descrivereste questa, credo, importante esperienza? Avete in programma in futuro, sulla base del seguito che state riscontrando, di esibirvi in altri nazioni (se si, dove?) e di allargare i vostri tour in altri paesi?

Fabio: Per piu' di dieci anni abbiamo suonato (e lo facciamo tuttora) nella nostra sala prove, una stalla abbandonata che noi stessi abbiamo risistemato. Ci si trova una o due volte a settimana e si suona. Ci si incontra la', fare la musica e' stato un modo per stare insieme, per non perdersi, non solo tra noi cinque ma anche con gli amici che ci seguono da sempre. Come imparare a parlare una lingua, andare nei luoghi dove si parla e' un po' liberarla e un po' impararla di nuovo, riconoscerla. Fare ascoltare la propria musica e' cosi. Saremo fortunati e felici di poterla praticare il piu' possibile. Suonare, per noi, e' dal vivo. Il nostro produttore si chiama Guido Elmi e in Italia e' famoso per essere il produttore di Vasco Rossi. Per aiutarci nella promozione dell'album ha chiesto all'entourage di Vasco di farci aprire due date del tour estivo, loro hanno accettato e noi abbiamo suonato. Per esterina e' stata l'esperienza della dismisura. Da 10 persone a 50.000 in un pomeriggio e' stata un'esperienza di cui ancora non ci rendiamo bene conto, e di cui nessun manuale di apprendimento pratico aveva fin'ora parlato. Di sicuro c'e' che ci ha cambiati. Per una serie fortuita di casi abbiamo anche aperto la prima data del tour europeo di Neil Young e l'unica data italiana dei Chicago. Abbiamo notato che la nostra musica ha avuto un riscontro positivo presso il pubblico straniero presente e quindi noi siamo stati molto contenti, e' una cosa molto bella poter parlare a delle persone che non conoscono la nostra lingua ma riconoscono nella nostra attitudine musicale qualcosa che li riguarda.
Suonare all'estero per un gruppo italiano non e' facile, non solo per la lingua ma perche' il nostro paese non ha e non mantiene un sistema culturale all'interno del territorio nazionale, figuriamoci se possa averne delle propaggini all'estero anche solo d'impresa culturale. Il nostro e' un mestiere del sopravvivere prima di tutto ma ci piacerebbe molto poter portare la nostra musica all'estero. Vorremo mandare il nostro disco ma anche tutta la produzione di video che abbiamo realizzato a qualche istituto di cultura italiana, per esempi a S.Francisco vivono molti massarosesi chissa' se saranno interessati?

Leonardo: Le domande che seguono sono un po’ una sorta di “provocazione”. Una specie di questionario alla marzullo che “sottoponiamo” un po’ a tutti gli artisti che ci hanno concesso un incontro.



In Giappone c’e’ uno stereotipo piuttosto diffuso sugli italiani e sull’italianita’; un modello culturale e sociale italiano che e’, nel bene o nel male, nell’immaginario di un po’ tutti i giapponesi, dall’uomo della strada all’intellettuale di nicchia; si riassume in una definizione in tre parole: ”mangiare, cantare, amore”. La diffusione e la prosperazione di questo tipo di fama e' dovuta in parte anche un po’ a noi italiani che siamo qui; soprattutto a chi di noi ( escludo gente tipo stragisti e pseudo esuli politici come Zorzi, purtroppo anche loro qui in Giappone) e’ in contatto diretto con il “pubblico” giapponese, attraverso l’insegnamento o i media.

Quanto vi sembra vero di questa definizione degli italiani e quanto vi riconoscete, se vi ci riconoscete, in questo “modello” come italiani e come artisti italiani?

Fabio: Non credo nello slogan anche se ne comprendo il senso, perche' e' sempre strumentale. L'Italia e' un paese anomalo e gravemente malato a ogni livello della vita pubblica, solo i parlamentari italiani assumono portaborse a nero e poi legiferano in tema di lavoro nero e per nessuno e' motivo di scandalo. Solo a Napoli si fa una manifestazione contro un campo Rom che rimbalza su tutti i media nazionali perche' “attenta alla sicurezza della citta'” quando la citta' e' una discarica e muoiono di morte camorrista centinaia di persone all'anno, bambini inclusi. Io credo alle storie singolari, alle persone. Credo che l'Italia sia molto di questo, della bellezza che resiste nelle persone e nei luoghi che nei millenni hanno saputo rendere meraviglie. Credo che questo sia il presente possibile in tutti coloro che sono in grado individualmente e senza far parte di un sistema vero di portare la verita' nella loro vita. Mio padre fa il fabbro, c'e' un detto dalle nostre parti che dice: se vuoi pati' le pene dell'inferno fa il fabbro d'estate e il muratore d'inverno. Come mio padre, molti della sua eta' nel nostro paese (sessantacinque anni) dopo aver lavorato un giorno intero e magari 10 o 12 ore fanno i turni alla Misericordia del paese (una sorta di pubblica assistenza che ha le ambulanze con i medici a bordo coordinate da un centro nazionale sanitario che localmente ha una sede a Viareggio) chi il telefonista, chi il barelliere, chi l'autista. Spesso fanno la notte e se devono fare un intervento (a volte due) stanno via delle ore e quindi la notte non si dorme ma la mattina si torna al lavoro. Ecco questa per me e' l'Italia, di persone che fanno le cose senza guadagnarci niente e in un modo normale. Secondo me e' rischioso metterli nel mucchio dello slogan, dell'etichetta, quando lo si fa e' sempre per denigrare non per raccontare. Come sarebbe ingiusto dire che i Giapponesi sono dei “mangiabalene” oppure, per esempio in questo momento sono in Abruzzo, a pochi metri da dove mi trovo ci sono i trabocchi, delle costruzioni tradizionali situate sulla costa per la pesca, non pescano quasi piu' nulla perche' poco lontano nelle acque internazionali i pescherecci giapponesi pescano molto di piu' e piu' in fretta di qualsiasi altro sistema, impoverendo il mare adriatico, la stessa cosa succede in Sicilia con i tonni. La legge glielo consente. E' una questione di forza. Ma non credo possa bastare a definirli come usurpatori. Non credo che si possa definire gli americani come degli assassini anche se la guerra e' una prassi per mantenere la loro economia e quella che loro chiamano democrazia. E' la civilta'. Sono un sistema, l'Italia e gli italiani degli outsider senza regole, E' per questo sopravvivono in un paese che non esiste e di cui non m'importa molto di per se, in quanto tale, la patria come la famiglia per me non sono un valore ma un'esperienza.

Leonardo: Se ci fossero le possibilta’ che cosa vorreste esportare di voi, della vostra arte e dell’Italia in Giappone?

Fabio: Non credo spetti a me a dirlo pero' visto che me lo chiedi, in qualche modo vorrei che si potesse apprezzare la nostra inconciliata corrosivita'. Ecco questo.

Leonardo: Che idea avete invece voi del Giappone? Se vi interessa, per quale motivo? Conoscerete sicuramente la musica moderna giapponese o altre forme d'arte di questo paese. Prescindendo dalle distanze culturali e fisiche che separano i due paesi quali progetti o autori giapponesi preferite o vi sembrano interessanti (non so, vi cito ad esempio il cinema o il fenomeno culturale e mediatico degli anime, la letteratura...)? Vi hanno in qualche modo o qualche volta ispirato?

Fabio: Per noi il Giappone e' veramente un posto molto lontano e credo in gran parte sconosciuto. La cosa che mi incuriosisce di piu' e' la capacita' della societa' giapponese di essere onnivora, far coabitare nello stesso luogo tradizione, istanze ultrapop, influenza europee colte, trash. Sono curioso di capire come succede cosa e' che favorisce questo processo.
Non credo di poter dire di essere stato influenzato dalla cultura giapponese anche se ho letto qualcosa di Mishima, ho seguito con interesse la vicenda artistica di Sakamoto e conosco un po' di musica giapponese, forse la cosa che ci ha influenzato di piu' pero' pensandoci e' la tecnologia che in quel paese e' stata prodotta e dalla quale tutti dipendiamo: Korg, Yamaha, Roland, Zoom, Takamine e molti altri sono i marchi che da sempre sono nella nostra sala prove e senza i quali faremo della musica profondamente diversa.

Mi fermerei qui, non vorrei impegnarvi oltre. Grazie ancora a nome del nostro centro.

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Opera rock dai forti connotati “hard”. Ma in questo molta e’ (l’auto) ironia che il gruppo infonde a questo disco, affilati e urticanti entrambi. Un album fatto di urgenze espressive, che non sceglie scorciatoie, tanto nella forma (i suoni) quanto nei contenuti (le liriche). Citiamo qualche titolo, tra quelli che ci sono sembrati i piu’ interessanti; una sorta di “manometri” a indicare la pressione di un album costantemente sull’orlo del collasso e con pochi istanti di respiro: il rock raggrumato e cafone di brani come “Tutti gli uomini del presidente”, lascia al posto alle fantasie visionarie e orchestrali, ricche di scampoli di elettronica e fiati di “Musa di nessuno” o di “Dove si va da qui”; e poi la ballata sballata, con tanto di cori gospel , “Orchi e streghe sono soli”; tutto questo per rituffarsi nel clima visionario della sarabanda "finto-rock", dislessica e travolgente, di “Neppure carne da cannone”.

I milanesi ammazzano il sabato - titolo che mai come di questi tempi ci e’ parso tanto azzeccato per un’opera (d’Arte) quanto bellissimo se scelto per questo disco - mette in fila quindi una serie di poesie urbane con afflato bukovskyano, senza orpelli o fantasmi letterari a cui render conto. Il disco e’ il punto di arrivo, nel 2008, di una band mutante, come poche in Italia, e anche per questo da considerare tra i pochi progetti di facile esportazione e di largo consenso anche all’estero (ricordiamo il loro recente tour in America e la produzione di John Parish). Ma non per questo chini a chissa’ quale cliche esterofilo di sorta. Gli Afterhours, pur con le loro stranezze e i loro umori, rimangono un gruppo rock, nel senso classico del termine; indisciplinato e (sempre) sorprendente.

“mediocri in salvo - di tutto il mondo - ovunque siate - ego vi assolvo”

(Manuel Agnelli, “E’ solo febbre”)

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myspace di Afterhours

...del nostro paese, oggi. Questo forse anche grazie ad una maggiore autoderminazione nelle nuove generazioni di musicisti - chi lo sa - soprattutto contro le “lobby” di alcune delle grandi major della musica. Certamente supportati anche dall’aiuto delle infinite’ possibilita’ offerte dai mezzi tecnici disponibili oggi - i computer, internet ecc. - e certamente dagli effetti, quelli positivi, della globalizzazione. Tante realta’ si schiudono come i cento fiori di Mao, in tante province italiane: dalla Sicilia dei Marta sui Tubi all’Emilia Romagna dei Penelope sulla Luna passando ancora, ad esempio, per il sud con i pugliesi il Quartetto L’Escargot. I Camera 66 provengono da queste scene. Sono una di queste voci, fin troppo poco nel coro, semplicemente brillanti. Parliamo un po’ del loro disco: inutile negare le influenze orgogliosamente e intelligentemente assimilate e riproposte in chiave locale nella loro musica: su tutte, ci sembra, certo suono della Chicago anni ’90 (alcune coordinate, ad esempio: David Grubbs e il suo folk-rock cubista , la classe dei Tortoise piuttosto che l’immediatezza della musica dei June of 44). Ma tutto cio’ e’un loro pregio e non un difetto o un limite; ci si rende conto, attraverso questo e molti altri importanti particolari della loro musica (tra cui l’uso totalmente originale della voce e delle parole) che forse “questi italiani” fanno veramente sul serio per uscire dai propri confini nazionali e autopromuoversi coraggiosamente, accanto ad artisti di altri paesi. C’e’ dell’altro in “In sospeso”: ad esempio, tanta elettronica, usata con gusto ed equlibrio. Un disco sobrio, un tantino troppo elegante, che si lascia ascoltare . Non e’ vecchio, gioca su linguaggi espressivi diversi e ci fa sperare nel futuro della musica italiana: un futuro non necessariamente fatto anche di bravi copisti sempre chini pero’ a modelli stranieri o con una insuperabile venerazione (che nel frattempo sembra essersi trasformarta in irrecuperabile e sterile soggezione!) nei confronti dei mostri sacri nostrani e dei loro inarrivabili "capolavori".
Complimenti.

Abbiamo rivolto alcune domande ai Camera 66; sono stati gentilissimi e cosi chiacchierando ne e’ venuta fuori una interessante mini intervista:

Avete dei punti di riferimento anche puramente ideali e che anche senza accorgervene confluiscono nella vostra musica...
I nostri attuali punti di riferimento sono Tortoise, Autechre, Gastr del sol, Pink Floyd di “Meddle” o meglio del “Live a Pompeii”, Fennesz, Alva Noto + Ryuichi Sakamoto. In effetti i riferimenti piu' comuni che ci hanno affibbiato nella maggior parte delle recensioni si fermano alle “apparenze” e ad un ascolto superficiale che appunto si limita a delimitare un quadrato di puro post-rock che comunque non mancava nei primo mesi di prove, e che non neghiamo di aprezzare; ma da allora, come ben hai carpito tu, altre sonorita' come quelle citate sopra hanno avuto la meglio proprio per la loro dinamicita' e apertura, cosa che il post-rock non ha, anzi purtroppo alla lunga risulta aime' statico e ripetitivo. L’assurdo sta nel considerare Tortoise, Fennezs, Gastr del sol e addirittura il progetto Alva noto + Ryuichi Sakamoto post-rock. Quindi che significa post-rock? Il nostro tentativo e' quello di mischiare diversi linguaggi come l’elettronica, il pianismo classico, incastri ritmici quasi progressive (quasi), psichedelia e le parole in un armonia (un equilibrio) che, sia musicalmente che narrativamente, aspirano all’avanguardia del 900, cioe'al tentativo di unire musica e parola senza schemi di genere. Questo e' quello che proviamo a fare e che ci piacerebbe arrivare a suonare...poi vedremo...vedremo...

Che cosa significa il titolo del vostro disco...come lo spieghereste ad un pubblico non italiano...tradurlo letteralmente, ad esempio in giapponese, non ne spiegherebbe, credo, le sfumature che gli avete voluto dare.
In sospeso pu' significare: una situazione non definita e non definitiva; tesa emotivamente; un istante precedente un avvenimento non chiaro ma atteso. Qualcosa di simile...piu' o meno...

Sceglieteci nel vostro disco una canzone e una frase nei testi che piu' vi rappresenta o ha un messaggio importante per voi.
Come brano scegliamo la title track “In sospeso” il brano meglio equilibrato. La frase piu' significativa e' nella seconda traccia (“Tutto e’ bene quel che finisce”) e dice: “Tutto quello che non sai e’ importante...dubitare per capire”. Cercare di svegliarsi da questa “lobotomizzazione” mediatica e questa standardizzazione culturale. Ricordando che conoscere e interrogarsi e' il miglior modo per capire, scegliere e riconoscersi realmente in cio'che si pensa e si crede.

Sito ufficiale e myspace:
Camera66.it
myspace di Camera 66

Ciao Gio, Ciao Carmelo e Ciao Ivan...
Che cosa significa veramente “Marta sui Tubi”? Quale significato o quali significati avete voluto dare a questa scelta? E perche’ avete pensato e poi deciso “Sushi e coca” per il titolo del vostro prossimo disco?
Gio: Il nome e' venuto fuori da una serata alcolica in cui io e Carmelo, il chitarrista, dovevamo assolutamente scegliere un nome per il nostro neonato progetto musicale fino ad allora senza nome, in quanto il proprietario del locale nel quale dovevamo suonare voleva fare delle locandine per pubblicizzare il concerto e gli serviva il nome. Tutto quello che abbiamo saputo tirare fuori quella sera fu Marta sui tubi. A me all’inizio quel nome non piaceva e lo accettai con riserva con la condizione che l’avremmo cambiato quando ne avremmo trovato uno che ci convincesse di piu’. In quel concerto pero’ molta gente ci fece la tua stessa domanda: “che significa marta sui tubi ?” cosi capimmo che quel nome destava curiosita’ e alla fine decidemmo di tenerlo. A quel punto non ci rimaneva che dargli un significato ex post o trovare una spiegazione. L’idea fu quella di dire in giro che Marta era una ragazza che ci contendevamo entrambi senza saperlo e una volta scoperta la tresca ci spiegammo, picchiandoci in un cantiere dove c’erano dei tubi. Tanto stupida la storia, tanto clamore fece presso i primi intervistatori che incontrammo per il nostro album di debutto. Il nome del nostro prossimo disco “Sushi e coca” e’ il titolo di una canzone che fara’ parte dell’album. Parla di Milano, la citta’ dove vivo, e dipinge uno stile di vita che comprende anche il cibarsi di sushi (cibo qui italia considerato esotico e in quanto economicamente caro, anche d’elite) e fare uso di coca (a te l’onere di interpretare se il riferimento e’ diretto alla bevanda o ad altro).
Carmelo: Marta sui tubi e’ l’alternativa ad un nome che inevitabilmente ci avrebbe fatto diventare ricchi e famosi e di cui non possiamo parlare per un voto fatto davanti alla statua di Ricky Gianco.

Se doveste consigliare un vostro disco ad un vostro nuovo ascoltatore giapponese, da quale vorreste che iniziasse e perche’? E insieme al vostro (o ai vostri) cd, quali altri titoli italiani secondo voi non dovrebbe assolutamente perdersi?
Gio: Sicuramente dal prossimo, perche’ e’ il piu’ sperimentale di quelli finora realizzati. E’ il disco che secondo me si fa ascoltare meglio rispetto agli altri soprattutto da un ascoltatore che non puo’ capirne le parole. Anche se la parte testuale nelle nostre canzoni e’ un elemento fondamentale, in questo disco la musica fa la parte del leone e tutte le canzoni possono essere apprezzate anche solo per la loro costruzione strutturale. Altre band che mi sento di consigliare? Teatro degli orrori , Disco Drive, Paolo Benvegnu'.
Carmelo: Potrebbe partire dal nostro primo disco, sicuramente la cosa migliore che abbiamo mai fatto! Altri titoli italiani che consiglierei sono: Uochi Toki, Benvegnu’, Gigi e La Pallottola (!?) eccetera.

Molti giapponesi leggendo di voi, scoprendo che siete siciliani doc ma che vivete e lavorate fondamentalmente tutti a Milano si chiederebbero allora che cosa ci fate in una citta’ cosi lontana dalla vostra terra di origine? Da queste parti la Sicilia e’ molto apprezzata e decisamente in risalita tra i gusti dei giapponesi nel turismo e per la cultura italiana. Che cosa ci potete dire di questa cosa?
Gio: In realta’ sono solo io che vivo a Milano, Carmelo vive a Bologna e Ivan sta a Bergamo. Viviamo tutti comunque lontani dalla nostra terra natia perche’ da quelle parti non c’e’ una industria discografica ne’ locali o strutture che ti permettono di intraprendere una carriera artistica professionale. Milano invece e’ il centro dell’industria discografica e tutto quello che accade li, si reverbera in tutto il territorio nazionale. La Sicilia comunque rimane nel nostro cuore e quando ci e’ possibile torniamo, soprattutto d’estate, per goderci quegli spazi sconfinati e quella luce che piu’ di ogni altra cosa ha influenzato il nostro essere uomini e musicisti.
Carmelo: Prima o poi torneremo a vivere tutti e tre in Sicilia, stiamo solo usando il nord (ahahahah!!!!!) proprio per poterci permettere una dignitosa vecchiaia nella nostra terra di origine.
Ivan: il Giappone e la Sicilia sono entrambi isole, terre di filosofi e di contraddizioni...

La componente live, l'esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore, come per altri artisti italiani mi sembra sia fondamentale per voi. Soprattutto con il vostro pubblico in Italia. Avete in programma in futuro, sulla base del seguito che state riscontrando, di esibirvi in altri nazioni (se si, dove?) e di allargare i vostri tour in altri paesi? Sogno:...riusciremo a vedervi anche qui in Giappone?!
Gio: Fino ad ora non abbiamo mai suonato all’estero. Ci sono arrivate delle proposte ma non se ne e’ fatto ancora nulla. Molta gente ci dice che la musica potebbe essere bene apprezzata anche all’estero ma andarci a suonare senza una distribuzione discografica e senza una minima distribuzione comporterebbe piu’ un costo che un effettivo vantaggio. Per tutti noi il sogno piu’ grande sarebbe quello di fare un tour internazionale ma siamo un gruppo indipendente e possiamo contare solo sui nostri contatti e non su quelli di una multinazionale che ci promuove all’estero. Chissa’!

Ivan: il sogno sarebbe nostro, sia perche’ il “pubblico” nippo e’ uno dei piu attenti alle novita’ ed alle innovazioni in musica; sia per poterlo finalmente visitare.
Carmelo: Non vediamo l’ora di venire in Giappone e chissa’ che questa non sia la volta buona!

Il nuovo disco ”Sushi e Coca” che mi dicevate uscira’ a ottobre, e’ prodotto da Taketo Gohara. Raccontateci un po’ di questa collaborazione; qualche informazione sul signor Gohara; perche’ avete deciso di lavorare con lui eccetera eccetera.
Gio: Taketo lo abbiamo conosciuto tramite dei nostri amici musicisti. Lui aveva lavorato con loro e a noi piaceva il sound che aveva dato a quelle produzioni. Poi abbiamo scoperto che era un nostro fan e in qualche modo si e’ imposto a noi come produttore mostrando un entusiasmo tale per la nostra musica che ci ha conquistato. Poi e’ una persona molto calma e razionale che bene si combina alle nostre indoli esuberanti e tendenti allo sclero. Con il suo lavoro e la sua personalita’ ha fornito un punto di equilibrio importante che ha influenzato non poco il nostro ultimo lavoro.
Ivan: Taketo e’ stato sin da subito sulla nostra lunghezza d’onda cercava di ottenere da noi intensita e passione piu’ che robe perfettine per enfatizzare l’atmosfera live delle esecuzioni in presa diretta.
Carmelo: Taketo...quanti ricordi!

In Giappone c’e’ uno stereotipo piuttosto diffuso sugli italiani e sull’italianita’; un modello culturale e sociale italiano che e’, nel bene o nel male, nell’immaginario di un po’ tutti i giapponesi, dall’uomo della strada all’intellettuale di nicchia; si riassume in una definizione in tre parole: ”mangiare, cantare, amore”. La diffusione e la prosperazione di questo tipo di fama e' dovuta in parte anche un po’ a noi italiani che siamo qui; soprattutto a chi di noi e’ in contatto diretto con il “pubblico” giapponese, attraverso l’insegnamento o i media. Quanto vi sembra vero di questa definizione degli italiani e quanto vi riconoscete, se vi ci riconoscete, in questo “modello” come italiani e come artisti italiani?
Gio: Sono tre fra le cose possono rendere un uomo felice. E non solo un uomo italiano. Da noi si usa dire: canta che ti passa, ed e' una cosa vera. La musica e soprattutto il cantare fornisce una via di sfogo ai pensieri scuri che ogni tanto offuscano le giornate. Per quel riguarda l’amore e il cibo... Piu’ ce n’e’ meglio e’. Lo stereotipo e’ sempre dietro l’angolo ma va bene cosi. Gli stereotipi sono come i soprannomi, vengono attribuiti a chi presenta peculiarita’ forti e distintive che trasmettono carattere. Ma non si possono scegliere, sono l’abito che qualcuno ti ha cucito addosso per evitare di vedere le tue parti peggiori!

Se ci fossero le possibilta’ che cosa vorreste esportare di voi, della vostra arte e dell’Italia in Giappone?
Gio: di noi tutto, dell’italia ti dico invece cosa non esporterei: il vaticano, la classe politica e la burocrazia.
Carmelo: ommioddio!!!! Sono un italiano!

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Entriamo con occhio clinico in questo disco: chi segue la musica italiana da sempre si accorge che potrebbe essere un’instantanea sullo stato attuale del pop nostrano.

La poetica dei Baustelle e’ un concentrato di raffinato cinismo; subliminale come gli effetti dell’assenzio; dolcemente iniettato nelle quindici tracce del disco. I veleni contenuti in queste musiche aggrediscono con non chalance le orecchie e la mente dell’ascoltatore; questo soprattutto attraverso le liriche agrodolci di Francesco Bianconi, interpretate tanto dal leader maschile (dal cantato talvolta un po’ salmodiante e umorale come Battiato, altre volte profondo e avvolgente come De Andre’) quanto dalla voce sensuale della tastierista, Rachele Bastreghi. Gli arraggiamenti vantano poi, questa volta, una produzione pressoche’ impeccabile (a cura degli stessi Baustelle e in collaborazione con Carlo U. Rossi, gia’ importante produttore nella scena indie italiana, dagli anni ottanta a oggi) ricchi di arrangiamenti orchestrali che accompagnano e interagiscono con il rock sofisticato e patinato dei Baustelle. Numerose le collaborazioni, doveroso citiare almeno il Maestro Alessandro Alessandroni (il famoso fischio, ma non solo, nelle celebri colonne sonore di Morricone per i film western di Sergio Leone) l’ Orchestra d'Archi Edo Dea Ensemble di Edoardo De Angelis e Silvia Catasta diretta da Fabio Gurian, una sezione fiati, il musicista etiope Mulatu Astakte, Sergio Carnevale (gia’ nei Bluvertigo ) Beatrice Antolini, l’arpista e percussionista Beatrice Martini e molti altri.

“Intanto Dio guardava il Figlio Suo E in onda lo mando'”.

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Definire una canzone “da spiaggia”, a noi italiani fa immaginare o intendere una canzone facile da canticchiare, che tutti ricordano, di facile orecchiabilita’. Una di quelle canzoni che magari d’estate, qualcuno, imbracciando la chitarra, inizia a intonare mentre gli amici, intorno a un falo’ in riva la mare, lo seguono canticchiandone le parole o alcune frasi che, per forza di cose, per amore o per odio, sono rimaste nella memoria collettiva.

Che la musica italiana, tradizionalmente, e che percio’ anche le canzoni delle Luci della centrale a loro modo, abbiano nel loro dna una orecchiabilita’ latente, non e’ un mistero. Non dimentichiamo poi che Vaso Brondi accompagna la sua voce solo con una chitarra (e qualche scampolo di elettricita’ ed elettronica). Far seguire pero’ a “canzoni da spiaggia” l’aggettivo “deturpata” fa presaggire a un qualcosa in piu’...ma entriamo nel disco e parliamone un po’.

Non un collettivo, come il nome suggerirebbe, ma ma bensi una vera e propria one man band. Ad una ascolto piu’ attento pero’ ci si accorge che il disco, pur essendo firmato dalle Luci, ha in realta’ alle spalle una produzione eccezionale, molto piu’ complessa di quanto non sembri, anche se mai troppo invadente: tanti e importanti sono infatti i suoni sparsi, le sottili architetture di chitarre elettrificate, i borbottii acustici dei bassi, i tamburi e le piccole diavolerie elettroniche disseminate, educatamente, nelle dieci tracce del disco dal nume tutelare e co-produttore di questo disco, Giorgio Canali (Rosso Fuoco, P.R.G., C.S.I.). Tutto questo a fare da sostanzioso contorno alle ballate per voce e chitarra di uno degli ultimi cantautori italiani, forse il primo, grande, di questo nuovo secolo. Che poi questo Vasco Brondi, meglio conosciuto con il nome del suo progetto Le luci della centrale elettrica, sia giovanissimo, ventiquattrenne, ferrarese (proveniente cioe’ non da una di quelle citta’ italiane che soltanto grazie alla fama conclamata delle loro scene musicali e dei loro artisti sdoganerebbero il disco, subito, lanciandolo nello star system ufficiale) non sono che particolari trascurabili. La sua adolescenza e probabilmente i suoi primi ascolti saranno stati segnati da alcuni importanti eventi ed e’ facile immaginarne qualcuno: negli anni novanta, nella musica italiana, scomparivano alcuni grandi (pensiamo ad esempio a Battisti, nel 1998 o a De Andre’ , nel 1999); la cosiddetta new wave italiana era gia’ storicizzata e anche il cantautorato assumeva forme nuove ed interessanti, opinabili o meno.

Vasco, con disinvoltura, estro e intelligenza riesce a creare e a manifestare nella propria musica un rapporto esclusivo, tutto per se’, diretto e di non subordinazione, con i maestri prima di lui ai quali, in parte, si ispira. Omaggia Rino Gaetano, ad esempio, soprattutto nel suo modo di cantare e nella visionarieta’ della sua poetica: nei versi bellissimi di “Nei garage a Milano nord” in cui, in coda, inserisce, in punta di piedi, un trasparente cut up a rievocare alcuni passaggi di “Il cielo e’ sempre piu’ blu” (n.b. celebre brano di Rino Gaetano). Ma anche per Vasco come per il compianto Rino, che soleva cantare di una realta’ amara tentando di esorcizzare l’essenza piu’ negativa e insofferente della societa’ umana stessa, il cielo e’ in verita’ “sempre piu’ grigio”.

Nelle sue “canzoni deturpate”, cantate a squarciagola, con rabbia e disincanto, con i nervi scoperti, con il cuore in mano, l’Arte e’ nel suo momento di piu’ alta ispirazione; mentre il corpo, quello dell’artista stesso, vive momenti anche di indigenza, di difficolta’ nel rapporto con il presente, per la sopravvivenza, nella lotta con le leggi di mercato che inquinano l’Arte stessa. Vittima e compartecipe della crisi del mondo circostante e in particolare del proprio paese sempre piu’ in mano ad una lobby di manigoldi, l’Artista osserva e racconta il degrado della societa’ e dell’ambiente in cui (soprav)vive. Non puo’ non emergere quindi anche il problema dell’autoaffermarzione e dei tortuosi percorsi che la impediscono. Vasco canta di questo e di molto altro, parlando soprattutto e in fin dei conti d’amore, trasfigurando paesaggi urbani gia’ di per se’ astratti e malcelatamente inospitali. La sua poesia rivela una visionarieta’ maggiore e abbastanza diversa dai declami sarcastici e diretti, non privi pero’ di autoironia, sviluppati nella scrittura post-storicista di Max, mente e voce dei contemporanei Offlaga Disco Pax.

Nonostante questo, il suo stile, talvolta onanistico e viscerale, con l’uso di un linguaggio a tratti fortemente introspettivo e simbolista, risulta pero’ di una straodinaria comunicativita’.

Un poeta, si...uno degli ultimi.

Grazie di esistere.

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